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Editorial: SINCRO

BOULEVARD DEL DISEÑO

Por Jonás Perea Muñoz
Arquitecto

En el marco de la II Bienal de diseño 2018, Organizada por CAMMEC (Cámara de la madera, mueble y equipamiento) y co-organizada por DARA Córdoba (Diseñadores de Interiores Argentinos Asociados) junto al Colegio de Arquitectos de la Provincia de Córdoba, ADEC, Córdoba Ciudadiseño, Municipalidad de Córdoba y 220 Cultura Contemporánea, Media Partner: La Voz del interior; Nace SINCRO + Boulevard de diseño.

Se llevó a cabo en espacio 220cc Cultura contemporánea la semana comprendida entre el 25 y 30 de octubre pasados.

El 220cc es un espacio bellísimo que funciona en el subsuelo de la Plaza de la Música (ex Museo Barrilete – Vieja Usina), sito en Costanera esquina Mendoza de nuestra Ciudad. El edificio se impone desde una impronta de arquitectura fabril. Macizos de ladrillo y hormigón armado componen un sistema de recorridos singular donde la sombra da paso a la luz.

El público específico naturalmente se encontró entusiasmado en vivir una propuesta diferente en la que se amalgamaron simbióticamente, el trabajo de los Arquitectos Matías Damiani y Santiago Castro responsables de la puesta en escena del Boulevard (ganadores y hacedores de un concurso que tomó forma original en el Predio Feriar Córdoba en la Expo Estilo Casa) junto a la exhibición de piezas artísticas de gran valor, gestionadas desde el estudio AA. En aquella oportunidad invitan al Arquitecto Pablo Oshiro a exponer su reciente obra de un minucioso trabajo en madera y el decide generosamente hacernos partícipes. Almas de madera, Pablo Oshiro, Mariclé Scalambro, Marta Rivero y Yo, presentamos obras inéditas que invitaban a la participación. Muy conformes con la versión original, las autoridades responsables deciden renovar la experiencia boulevard del diseño, pero esta vez en el marco de la II Bienal de Diseño de Córdoba.

La apuesta era ambiciosa y superadora a la vez anterior. Estábamos con agenda completa en el estudio, pero la propuesta resultaba tentadora. Al momento de pensar el nombre, nos pareció que SINCRO reflejaba sintéticamente esa serie de eventos afortunados, junto a una sumatoria de buenas voluntades relativas a las partes involucradas a la muestra. Es así que al invitar a Artistas y Arquitectos de renombre en el medio, no dudaron en brindar su apoyo al proyecto.

Los AA (Arquitectos & Artistas) que mostraron en SINCRO fueron: Matías Damiani, Santiago Castro, Ángela Mandolini, Evangelina Lora Espada (Responsables del Diseño y puesta en escena del Boulevard), Pablo Oshiro, Mariclé Scalambro, Marta Rivero, Jonás Perea muñoz (Almas de madera), Teresa Maluf, Miguel Ángel Rodríguez, Esteban Bondone, Beatriz Solá, Laura Cassin, Gonzalo Viramonte, Rodrigo Schiavoni, Luis Bernardi, Blanca Cajal, Simón Ibáñez Durán, Gabo Martínez y Álvaro Sosa (se sumaron al proyecto).

Completaron la propuesta una serie de maquetas ganadoras del concurso de viviendas sustentables realizadas en Madera (CAMMEC + CAPC).

Al momento de convocar a nuevos artistas, tuvimos en cuenta la dignidad de un trabajo bien hecho, en madera y donde la impronta geométrica salga a la luz. El juego y la participación fueron premisas fundamentales.

La intención de escribir sobre SINCRO, acompañando con un registro fotográfico de alto nivel, parte de un deseo individual y del colectivo de plasmar y difundir la experiencia Boulevard del Diseño en el 220cc.

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Es así que a manera de resumen, cada artista decide exponer una breve descripción de su trabajo, que paso a detallar:

  • MATÍAS DAMIANI y SANTIAGO CASTRO / Boulevard del diseño

Ph. Gonzalo Viramonte

Entre paredes y pasillos asoman, de a poco y sin pedir permiso, las primeras obras que forman parte del Boulevard. Esculturas, cuadros e instalaciones van abriendo un recorrido sin dirección definida. La ruta la fija cada uno, siendo esto lo que hace de este recorrido algo interesante. Nos permite ser dueños de la visita, rompiendo los límites y las estructuras, generando experiencias aptas para todas las edades.
Visitar el Boulevard es invitarse a jugar, entendiendo los espacios como un ámbito creativo y de creación. Es querer ser parte de cada obra y, al mismo tiempo, apropiarse de ellas. Resignificar (se) y explorar (se). Es habilitarnos a percibir con todos los sentidos y animarse a lo que creíamos intangible.
Lo etéreo, lo transparente, el módulo y la simpleza de la intervención buscan desconcertar y desetructurar los modos de vivenciar y recorrer los espacios. Una estructura que soporta los límites permitiendo el juego aleatorio de materiales y texturas, dejando lugar a que los usuarios sean dueños del boulevard.

  • ÁNGELA MANDOLINI
    Raíces. Mural. Marcadores y tinta China

Ph. Matías Damiani

“RAICES” es la materialización artística de un proceso de enraizamiento que estoy transitando actualmente. El ARBOL, aparece entonces como un icono del paisaje sistémico, las RAMAS componen el emblema del vincular y las RAICES dibujan la imagen vívida del nutrir ancestral. Líneas orgánicas siguen el curso natural, recorrido vital cargado de símbolos que evocan mi naturaleza, constelando así lo no visto del sistema, restaurando heridas como una acción de cuidado en el HOY, en el intento de salir de la repetición, de honrar el legado para sanar, liberar y fusionar con lo atemporal.
Pareciera que nuestra vida recorre cauces preestablecidos, pero si nos conectamos con lo que nos dicen las raíces y las ramas –que se entrecruzan y se contradicen- si vamos un poco más allá, traspasamos la corteza, nos perdemos en las vetas y volvemos a las raíces, recordamos que podemos CREAR infinitas posibilidades. Solo están esperando ser miradas.
“RAICES” enlaza cuatro arboles en un paisaje blanco y negro, impulsados al continuo fluir de la vida.

  • EVANGELINA LORA ESPADA (VANYI)
    Raíces. Mural. Marcadores y tinta China
    Dibujos. s/t. Microfibra y tinta china con retoques digitales

Ph. Pablo Oshiro

“RAICES” Somos el nexo, desde la tierra al cielo, y desde el cielo a la tierra. Una fuente de vectores con múltiples direcciones y sentidos, solo compartimos algunos centímetros del tronco, donde conformamos la fuerza que nos permitirá seguir creciendo y expandiéndonos en la dirección que las ramas y raíces quieran tener, sin saber cuál será el final. Entonces, árbol sentite, aprecia tus raíces y llega a lo profundo. Eres tú, es tu familia, tus antepasados, los invisibles que nadie mira, que somos parte de la unión esencial de vida. Míralo, sánalo, repasa cada parte y entiende de dónde vienes. Si es necesario entierra sus raíces, para ser más vos, que a un árbol bien firme no lo derriban. Dale luz para que crezca, que un árbol que se ve se honra. Parte de lo que estoy trabajando y transmutando en mis obras, mis raíces.

  • PABLO OSHIRO
    Constelaciones II. Escultura – Objeto . Madera policromada

Ph. Gonzalo Viramonte

Proyecto constelaciones surge a partir de un encargo personal, una serie de familias para ser utilizadas en constelaciones familiares individuales. Bert Helinger le da impulso a las “Familienaufstellung” como método de terapia sistémica en búsqueda de órdenes y jerarquías.
..la serie comienza a multiplicarse representando diferentes relaciones interpersonales, desde las familias hasta la multitud…
…cercanos y extraños…
…la geometría propia del rigor sistémico se acompasa con la imperfección de los personajes trabajados artesanalmente uno a uno, como individuos…
Constelaciones trata sobre LA GEOMETRÍA DE TU ALMA – te podrás reconocer en el cuerpo de una mujer, un hombre, una niña o un niño…
…en esta constelación estás TÚ…

  • MARICLÉ SCALAMBRO
    Esculturas
    Ella. Talla en Madera de roble
    Nido. Talla en Madera de cedro azul
    Vacío ovoide. Talla en Madera de nogal

Ph. Matías Damiani

En los inicios la madera recibe un trato vigoroso… un proceso con fuerza, con cierta violencia, desgaste de manos, desgaste de energías.
… poco a poco la escencia se revela y deja ver la versión más pura de peso y liviandad…
… un oximorón con perfumes a bosques… -Pablo Oshiro-
Sanar, sanar el útero, sanar el linaje femenino, partirse a una misma, renacer…
…esculturas ahuecadas que te invitan a anidar, y a través de sus redondeces, a abrazar, acariciar, acunar, arropar, cuidar, sostener, contener la vida…
Grietas imperceptibles por donde se escapa la vida…
…porque apenas se la puede rozar.
Soltar, transmutar, transformar, dejar ir…
También es parte del proceso vital… – Daniela Sánchez-

  • MARTA RIVERO – JONÁS PEREA MUÑOZ / AA Estudio
    Instalación. Escultura – objeto
    De la serie Minibrick. Barro cocido y madera policromada

Ph. Gonzalo Viramonte

El proyecto Casa surge de una búsqueda espacial y simbólica en la que se combina el lenguaje como espacio simbólico que construye al sujeto y la arquitectura como espacio simbólico en el que habita.
El proyecto arriba a un espacio común, el de AA como estudio, que combina el arte y la arquitectura como formas de ver el mundo donde el sujeto puede ser posible, desde la búsqueda personal de cada uno de nosotros. Jonás Perea Muñoz y Marta Rivero
Nos disponemos a pensar dos prototipos de casas, la casa trasparente y la casa sólida. Tomamos como formato la caja de herramientas de carpintero, la casa se verá, no solo como el prototipo de la casa que aprendemos a dibujar desde pequeños sino como una casa obrera, la casa que porta las herramientas.
Construimos la casa de acrílico y la de madera, hacemos ladrillos tradicionales de cerámica horneados y a escala del prototipo casa y ladrillos de madera que pintamos en un gradiente de colores que no alcanzan nunca el negro y el blanco, arrancan un tono abajo y arriba de cada uno de estos.

  • TERESA MALUF
    Escultura. De la serie Animales sueltos . Madera policromada

Ph. Gonzalo Viramonte

La serie ANIMALES SUELTOS está compuesta de pinturas objeto en cuyo proceso comienzo dibujando pequeños bocetos a los cuales les doy color y voy probando diferentes formas y combinaciones posibles. A veces hago los bocetos en mi taller, pero generalmente son como flashes que me aparecen estando en cualquier lugar y que inmediatamente dibujo en papelitos para que no se me escapen las ideas.
Después viene el registro y la digitalización de esos bocetos lo que me permite concretar su construcción con un corte preciso sobre madera en un taller especializado.
Una vez cortada la obra vuelve a mi taller a dónde la pinto generalmente con pintura industrial.
Esta serie fue parte de un proceso mayor en el cual mi lenguaje visual se desplazó de la bidimensión a la tridimensión transitando por un período intermedio en el cual sus elementos constitutivos (espesor, líneas, formas, color) me llevaron a producir obras planas, pero con efectos y lecturas tridimensionales; en algunas de ellas comenzó a jugar un papel importante el espacio como continente y como sujeto activo de dialogo.
Esta serie pertenece a ese período intermedio.
En mi gramática visual, que se compone mayormente de formas geométricas no busco un juego óptico o retiniano, lo que me interesa lograr es una conversación entre el espacio, la obra y el espectador.

  • MIGUEL ÁNGEL RODRÍGUEZ
    Juguete de Casabindo. Escultura. Talla y ensamble en madera de quebracho colorado
    Caballito de juguete. Escultura. Talla y ensamble en madera de quebracho colorado
    Juguete sudamericano. Escultura. Talla y ensamble en madera de quebracho colorado
    Ulturango remixado. Escultura. Talla y ensamble en madera de quebracho colorado policromada

Ph. Pablo Oshiro

En realidad los objetos me abordan a mí y yo juego con ellos hasta decidir su forma. Están realizados en madera nativa de quebracho colorado. Los resuelvo como juguetes, con la intención de que a través de una propuesta que tiene una lectura lúdica, juegue también entre los límites de la escultura y la artesanía. También intento realizar una producción dentro de mi contexto latinoamericano.

  • ESTEBAN BONDONE
    Bancos Líbera. Madera de quebracho colorado y blanco. Oradado mecánico

Ph. Pablo Oshiro

El banco “líbera” es un sólido de madera horadado en su asiento, otorgando una cavidad acorde su uso. En la parte inferior sucede lo mismo, pero el propósito es otro: separar del suelo la superficie del bloque a solo cuatro puntos, a manera de patas. La geometría se asemeja en su geometría, a la cúpula del Palacio de los Congresos del EUR 42 /Roma, del arquitecto ya célebre Adalberto Líbera y por ello su nombre a menra de homenaje. La técnica es el horadado mecánico en mesa de corte a control digital con puntas (mechas). La madera proviene de circunstancias variadas y por ello sus diversos colores y texturas (naturales) : troncos ( fustes/tocones) de árboles caídos, talados de manera irregular, secados por inundaciones, etc.). La idea es darle un destino digno, antes del fuego que alimenta habitualmente los hornos de carbón.
Proveedor de Madera: Aserradero Rural: “El Tercio SA” / Taller de maquinado: Replicam

  • BEATRIZ SOLÁ
    Pintura. De la serie Frontera. Acrilico y óleo sobre lienzo

Ph. Pablo Oshiro

Las pinturas presentadas en “SINCRO” forman parte de la serie “FRONTERA”: proceso de investigación y producción que aborda una reflexión sobre la mirada y la imagen.
El objetivo del proyecto: una reflexión sobre la manera de observar y la imagen visual. Proponer, a través de ciertos dispositivos, un abordaje sobre la problemática de la mirada y el ver no cotidiano. Brindar la posibilidad de reflexionar acerca de que vemos cuando vemos.
Como proceso artístico reflexivo, se trata de un cuestionar sobre los límites de la re-presentación entre la imagen fotográfica, como referente y otra imagen, la pintura como realidad autónoma. Tiene su génesis en una búsqueda fotográfica de imágenes, para captar el instante donde una realidad pasa a ser otra totalmente diferente, donde el juego de la luz, sombras, brillos y reflejos hacen su propio discurso.
Poner en práctica este proceso de deconstrucción del lenguaje fotográfico. Tomar fragmentos de la realidad para insertarlos en el contexto de la pintura, donde el referente se borra; Implica que estos fragmentos actuarán como estímulos de la atención. Poniendo en marcha, procedimientos de manipulación de elementos de realidad e ilusión que luego se combinaran irónicamente con elementos pictóricos, donde cada color está pensado, elaborado minuciosamente para que cumpla su cometido, revelando así el mágico juego oculto de la luz.
“Frontera pone en consideración la mirada activa del espectador al ponerlo al límite de ciertas reflexiones en torno a la imagen. La idea de frontera toma lectura en el encuentro de cada plano cromático con otro, entre una superficie coloreada y un espacio profundo, entre un plano diseñado y un simbólico; entre representación y realidad pictórica. Una frontera entre percepción visual, concepto y poesía.”
Dante Montich.

  • LAURA CASSIN
    Fotografía. s/t. Toma directa en digital

Ph. Gonzalo Viramonte

Escribir de mi obra me resulta completamente complejo, será que intentar explicar que siento se me escapa de las manos. Describir la sensación que me impulsa a pulsar el gatillo es casi tan complicado como explicar a la gente por qué me llevo los objetos a la nariz intentando olerlos cuando no tengo olfato, es casi mecánico, intuitivo. La búsqueda, o la no búsqueda que termina siempre en lo intuitivo, es sentir. Es la sensación de dejar de buscar para que la imagen llegue sola, porque siento que mientras más la busco más se aleja, y cuando me hago a un lado, llega sola, ahí, impávida, esperando a ser capturada.

  • GONZALO VIRAMONTE
    Instalación. Fotografía digital B/N. Sensibilidad con lo cotidiano para generar un impacto

Ph. Matías Damiani

Empecé a sacar fotografía de arquitectura porque engloba todo. Todo es todo: donde caminamos hay arquitectura.
Mi pasión por esta profesión se hizo observando y empezó cuando trabajaba como cadete en una inmobiliaria, mis primeros años como estudiante de ciencias económicas en Córdoba Capital. En este trabajo hacía muchos trámites y allí empezó mi pasión por observar. Claramente los trámites no me importaban, porque luego decidí recibirme de arquitecto, pero siempre hay un porqué de todo. Esta capacidad de observar me llevó a viajar, en bicicleta, donde lo más importante era una pequeña cámara que llevaba en un bolsito delantero.
Creo que hoy en día sigo sacando fotos como cuando empecé, descubro la ciudad día a día cuando camino. No tener una formación en fotografía me dio grandes resultados: trabajar con el instinto permanente, y la confianza en uno mismo, es fundamental para que las tomas salgan como yo quiero, y que además de eso, por suerte, le guste a la gente.
Mi objetivo principal siempre es llegar con la arquitectura específica, a la gente común. Lograr un impacto con lo cotidiano a través de un cuadro compositivo, para quienes lo miren, logren admirar el patrimonio como yo lo hago. Cuando una persona que no le interesa la arquitectura, me pregunta “donde es eso”, es cuando generaste un impacto en el otro, que se traduce en un resultado positivo de tu trabajo.
Este espacio nace de una necesidad de mostrar este trabajo para contagiar un poco la pasión que persigo por nuestro patrimonio. La interacción de los niños y adultos con las pantallas, fue sorpresiva. Pensábamos que la única interacción iba a ser la pared pizarrón. Las colchonetas que pusimos a último momento generaron de este espacio, un gran living de hormigón.

  • RODRIGO SCHIAVONI
    Tres episodios de la eternidad. Digital sobre canvas
    Estado sincrónico I. Textil bordado

Ph. Matías Damiani

Un principio de simultaneidad dimensional establece que objetos físicos, realidades, percepciones y objetos no físicos pueden coexistir en el mismo espacio-tiempo.
Teoría de varios mundos
Nuestra capacidad de percepción nos permite interactuar en una sola dimensión espaciotemporal, pero constantemente nos formulamos interrogantes metafísicos en relación a la eventualidad de dimensiones no registrables, lo que nos permite suponer la probabilidad de una infinitud de estados no percibidos.
La observación es aquella capacidad que transmite la insoslayable definición del estado de la existencia y es responsable de la construcción de la realidad percibida. ¿Cuánto hay de azar, cuánto de aleatorio y cuanto de determinismo, en la definición de aquella realidad? ¿Dónde se ubica el hecho y donde se ubica el observador para que el universo observado adquiera la morfología revelada? Entender en que dimensión se verifican los fenómenos, es parte de la naturaleza de la incertidumbre más que de de la naturaleza de la certeza. No hay mayor certeza posible que una evidente incapacidad para resolver el dilema de interpretar que es lo que no ha sido.
Aquella posibilidad que se cristaliza como única realidad es la misma que declara que todas aquellas que se descartan, se construyen en otras dimensiones paralelas e inobservables; como un mapa impreciso donde todo lo que podría suceder, indefectiblemente sucede. Todo lo que podría pasar, pasa.
Teoría de los varios mundos es una aproximación a la construcción de estados posibles, orbitando en un sistema de coexistencias, construyendo un esquema cosmológico con aquello que se hace evidente, enumerando probabilidades relativas y evidenciando la cristalización de una, entre todas las probabilidades.
La noción de eternidad adquiere aquí una enorme relevancia: es aquella que proclama la simultaneidad en el mismo espacio-tiempo, anulando la posibilidad de principio y fin. Lo eterno es, como consecuencia, todo aquello, que se presenta real. Expandible hacia la inmensidad del cosmos e infinitamente reductible en la pequeñez de la nada.

  • LUIS BERNARDI
    N.A.D.A. Madera. Encastres

Ph. Matías Damiani

Máquinas que no hacen nada / pedacitos de historias de vida de símbolos de acciones de deseos de pensamiento de pensamientos / ensamblar juntar pedazos en este caso y formar todo / de lo mínimo a lo máximo partiendo de lo mínimo llegar a un todos apoyado en una estructura / pero existe pude existir la posibilidad de que esa estructura no este y se llegue a un todo integrar_desintegrar / antes explosión / mil pedacitos / ahora se juntan como las partículas de metal atraídas por un imán geométrico / formas puras / líneas límpias nada tiene ninguna función [escultura por la escultura] máquina asociada a una función / a la producción (mundo de hoy si no producís no sos nada) ganchos / juntar pedazos / lo mismo que con el grupo anterior (repetirse) //////// líneas con volúmenes / deformaciones / parte de algo que luego de un tiempo se junta con otro fragmento / forman un todo // cambio de direcciones _de sentido _de tamaño _de espesor // huellas que son llenadas_cambiadas = se borran gestos juego de la palabra / gesto humano y gesto de gesto de gesticular / gesto llevado a la escultura / acción sobre el material un volumen o forma que se deforma / explota /se transforma / forma que esconde otra forma pegar / juntar / doblar / pausa / razón / sin razón / ´ / ´ / dejarse llevar por algo sin saber dónde vas a llegar / trabajar con un material rígido / madera / hacerlo parecer blando // pedazos que se juntan / uniones / se doblan / se estiran / rollos / enrollar / desenrollar el deseo / lo incierto (porque a veces no se dobla como la razón quiere) / el gesto te va llevando a certezas móviles lo mínimo / lo simple (la línea) / dibujo / la línea como estructura que contiene la palabra dibujada // rayar / rayar / algo quedará toda la obra está atravesada por certezas / incongruencias de cualquier ser humano / o sea yo.
Guillermo Daghero

  • BLANCA CAJAL
    Pintura. s/t. Técnica mixta

Ph. Gonzalo Viramonte

Las pinturas presentadas son parte del trabajo final de la Licenciatura en Pintura de la Fac. de Artes de la UNC, titulada “Palimpsestos: ensayos geométricos degenerativos”,2013-2014. Planteo la sinapsis que existe entre la obra, el artista y el mundo. La cuestión de la convivencia de la razón-emoción en la pintura, del gesto y la tinta plana. En las obras se percibe la fragmentación de la imagen producto del desplazamiento que es propio del collage y – por lo tanto – del desplazamiento del contexto de origen. Se basa en un principio ordenador quebrado, dislocado. Tienen el carácter del palimpsesto como en prácticamente todo el arte contemporáneo. La imagen la construyo a partir del devenir diario, surge de la experiencia cotidiana, de un modo de ver que relaciona lo racional con lo intuitivo. Es geometría degenerativa porque no hay ningún programa numérico que origine la forma. Reemplazo las leyes explícitas y lógicas de la geometría por un juego de tensiones compositivas y cromáticas internas.

  • SIMÓN IBAÑÉZ DURAN
    Plexo. Escultura. Hierro soldado y oxidado

Ph. Gonzalo Viramonte

Plexo es una escultura orgánica que tiene un crecimiento vertical, que parte de una base de morfología similar de donde nace. Se desarrolla verticalmente, así como una planta que busca la luz.

  • GABO MARTÍNEZ
    Pintura. s/t. Acrílico sobre papel
    Escultura. Azul y Amarillo. Telgopor reciclado sobre madera

Ph. Gonzalo Viramonte

Mi manifiesto: Para mi pintar es una absoluta demostración de felicidad. No concibo el arte sin alegría y goce. Es energía y desplazamiento alrededor del lienzo para plasmar ese sentimiento. Sin felicidad mi mundo se desmorona y paso a ser un autómata que realiza movimientos sin pensar, vacíos de contenido. Por eso la pintura es para mí una continuación de ese sentir aplicado a la imagen. Absoluta felicidad.
Este trabajo comenzó tomando como base el papel que considero el material madre de todos los otros. Tratando de recrear belleza y tranquilidad recurrí a la paleta de color en blanco y negro utilizado en la caligrafía oriental. Una vez leí que la caligrafía oriental era reflejo de paz y serenidad y eso es justamente lo que consigo pintando estas obras. La simetría y el equilibrio geométrico me proporcionan calma.
Luego de experimentar durante un tiempo con el papel, pasé a la tridimensión de la escultura. Necesitaba plasmar ese orden mental en otras formas y materialidad. Así uní lo anterior con la necesidad de equilibrar mi entorno. Tengo una obsesión con el descarte y la acumulación por eso utilicé para las esculturas material que para la mayoría de las personas es basura. Telgopor y madera, que nacieron con otra utilidad, fueron moldeados para que se transformaran en objetos de belleza estética que siguen manteniéndose en concordia. La finalidad última de este trabajo es un diálogo entre objetos acumulados donde su proximidad permite distintas lecturas e interpretaciones para que el espectador consiga esa armonía que proyecto con las obras.

  • ÁLVARO SOSA
    Despierta. Escultura interactiva. Madera reciclada

Ph. Gonzalo Viramonte

Despierta habla de la ruptura en la conexión de los seres humanos entre sí, y con el medio ambiente. Es un modo de pensar sobre los espacios de diálogos que se fueron perdiendo y sobre otros espacios, que nos acercan desde lo tecnológico pero tal vez no desde lo humano. Se trata de llamar la atención acerca de los ataques a la libertad y a la cultura, y de buscar constantemente, a través del arte, las herramientas para resistir. parte de un proceso que Álvaro Sosa produce desde hace un tiempo, los cuales se articulan a través de la conciencia de reutilizar materiales de descarte industrial y la reflexión que realiza el artista sobre procesos socio-culturales. El ensamble y encastre de recortes de los materiales le permite al artista tramar volúmenes macizos y dinámicos. La técnica constructiva posibilita lograr texturas en relieve y visuales.

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A modo de balance, tomado desde un continuo y no como un cierre, SINCRO hizo honor a su nombre, las pequeñas piezas bien articuladas, hicieron que la máquina funcione.
Siempre es bueno agradecer a las autoridades que hicieron posible el funcionamiento del proyecto y a personas que mancomunadamente trabajaron en un excelente clima, propicio para obtener buenos resultados:

Matías Damiani y Santiago Castro, por su amable invitación y por el cuidado en los detalles.
Pablo Oshiro, por generar encuentros y situaciones positivas.
Marta Rivero, por su AAcompañamiento.
Gonzalo Viramonte, por su impecable registro fotográfico.
Diego Ligorria, expo ESTILOCASA.
Enzo Moriconi, CAMMEC.
Carlos Bartmus, junto a las autoridades del Colegio de Arquitectos de Villa Carlos Paz.
Oscar Barrigón, representando a la Sociedad Española de Cosquín.
Diego Olmos, Secretario de Cultura de la Municipalidad de Cosquín.
A las chicas de 220cc Cultura Contemporánea.
Silvina Ruiz, Divo espacio de diseño.
Carlos M. Díaz, Bitácora de vuelo.
A los Artistas.

GRACIAS

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Entrevista: VERÓNICA WALTER

EL POEMA COMO LUGAR DE ENCUENTRO: “SOLO VINE A VER EL JARDÍN”

Por Gabriela Carrión

Con motivo de la reciente publicación de su libro Centro como lugar de la cita. Pizarnik, Eliade y Carroll, conversamos con su autora, Verónica Walter, para adentramos en la génesis de su obra, en el abordaje propuesto para interpretar el símbolo del centro, en su trabajo con manuscritos originales inéditos de la poeta argentina, en el diálogo con otros de sus críticos o estudiosos, y en la posibilidad de dar continuidad a sus investigaciones. En suma, acudimos a la cita de lectura que nos propone este libro, entrando por la puerta o jardín que tanto obsesionaba a Alejandra.

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– Nos asomamos a tu libro por la invitación del título Centro como lugar de la cita. Pizarnik, Eliade y Carroll, desde las claves que él mismo propone, ¿cuál fue la cita que te convocó a gestar la travesía de escribir este libro? ¿Cuáles fueron los nutrientes y el motor que te llevaron a este encuentro?

Interesante punto que propones como inicio. En mi investigación fue crucial la entrevista que le realiza a la poeta su última pareja, Marta Isabel Moia, titulada Algunas claves de Alejandra Pizarnik. En esas respuestas revela conceptos que son fundamentales en su obra y que se mantienen en el tiempo. Es allí donde la misma Alejandra revela que una de las frases que más la obsesiona la dice la pequeña Alicia en el país de las maravillas: “Sólo vine a ver el jardín”. Y continúa explicitando que el jardín es el lugar de la cita, o en palabras de Mircea Eliade, el centro del mundo. Y así Pizarnik, a quien yo tanto había leído, reunía en unas líneas a tres autores previamente estudiados cuyas propuestas por distintas razones me resonaban. No tuve dudas, me embarqué en comprobar, a través del análisis de su obra, si la poeta estaba siendo sincera en las claves que daba para entrar en su obra. Así como un juego, el reto fue: “vamos a ver, Alejandra, si esto es así”.

– Sabemos que existen numerosas puertas de entrada a una obra y cada una es un horizonte de posibilidad, ¿qué irradia este abordaje de la obra de Pizarnik desde el símbolo de centro como lugar de la cita? ¿Cuáles crees que son sus principales aciertos, apuestas y desafíos?

A mi entender el concepto de centro es fundamental para comprender la obra de Pizarnik, ya que la poeta lo toma de Eliade y lo resignifica. El poema, para Alejandra, se presenta como el espacio en donde los fantasmas pueden compartirse y así la soledad del poeta queda, por unos instantes, en suspenso. A través del poema se produce el encuentro. Esto sucede tanto al escribir como al leer, ya que las heridas de otros pueden resonar con las propias, sostiene Alejandra. La fusión de vida y obra en Pizarnik es para mí evidente y desde aquí considero que al recorrer la variación que la poeta tiene con respecto a este lugar de cita, de encuentro, el que muchas veces no llega a darse, se puede apreciar la dualidad que manifiesta en su obra y que sufría frecuentemente como puede leerse en sus diarios.

-Tuviste la oportunidad de acceder a los manuscritos originales inéditos de la poeta y parte de tu trabajo con ellos se ve plasmado en este libro. Quisiéramos más detalles de este particular encuentro, ¿De qué modo se integran al abordaje del centro que proponés? ¿Cuál es su aporte?

Tuve la oportunidad de acceder a sus manuscritos originales que se encuentran en la Universidad de Princeton, allí hay 7 cajas con bastante material: diarios, cartas, escritos sueltos… Estuve 15 días leyendo el material y encontré el borrador del cuento El hombre del antifaz azul, en el que Pizarnik recrea humorísticamente el inicio de Alicia en el país de las maravillas. Esto fue un aporte importante para mi investigación, ya que el concepto de centro aparece en la re-escritura y, además, porque Alejandra anota después del borrador los significados de los símbolos que usa en el cuento, invalorable encuentro para los aficionados a su obra.

Es además un aporte fundamental en el cual se muestra el trabajo de Pizarnik sobre sus escritos, cómo trabajaba sus palabras, los significantes, cómo elegía las palabras, el texto que la poeta publica es bien diferente a este inicial que se encuentra en sus cuadernos.

– Deseamos profundizar sobre tu acercamiento al centro en Pizarnik, pensando ahora en los posibles contactos o puntos de encuentro con otros ensayos o estudios sobre esta importante poeta. ¿Dialogás con alguno en particular? ¿Te sentís próxima o compartiendo afinidades con otros lectores críticos de su obra?

Debo confesar que mi trabajo fue, casi, un diálogo desde Pizarnik (partiendo de sus palabras) para ir a sus palabras, por ello, en este caso el diálogo fue bastante centrado en su propia obra.

Sin embargo, encontré algunos autores que me dieron pistas interesantes para su obra, desde la biografía de Cristina Piña, a los interesantes aportes de Ivonne Bordelois, pasando por Carolina Depetris, Francisco Lasarte, su amigo Antonio Requeni, Anahí Mallol, María Elena Arias López, Andrea Ostrov y varios más.

– Para cerrar, dejando entreabierta una puerta, y pensando justamente en la continuidad que proponen ciertas citas o encuentros fundamentales, ¿Vas a continuar con tu estudio sobre Alejandra Pizarnik? ¿De qué modo?

Es un deseo continuar con la investigación en la obra de Pizarnik, al finalizar el libro detallo algunos caminos, que a mi entender podrían seguirse a modo de profundizar la temática y temáticas afines.
Por mi parte, procuraré acercarme a la obra de Carl Jung y desde ahí volver a la poeta, pues atisbo que puede ser un rico encuentro; veremos qué encontramos allí y si la cita puede darse.
Gracias por las preguntas, por el espacio, por la posibilidad de pensar lo realizado.

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+ Información:
Presentación del libro Centro como lugar de la cita. Pizarnik, Eliade y Carroll de Verónica Walter.
Fecha: Viernes 16 de Noviembre  ::  20:30 hs.
Lugar: Café del Alba (9 de julio 482 – Córdoba)
Entrada Libre y Gratuita

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Editorial: MYLER EDSEN MOSS

APARTADO PINÁCULO IMPRESO EN EL DESEO SEXUAL. CALCO DE DRAMATURGIA HOMOERÓTICA EN UN KIMOSS

Por Charlotte von Mess
Traducción: Ignacio Havre

– Acerca de “Kimoss”, de Myler Edsen Moss. Exposición “Hetero Friendly 2018”

Un egoísta es aquel que se empeña en hablarte de sí mismo
cuando te estás muriendo de ganas de hablarle de vos.
Jean Cocteau

Myler E. Moss ha editado El libro blanco de Jean Cocteau en su sello Moss Garden, por lo que resulta natural que copie a mano dibujos del artista francés conviviendo con un par propios (en cuanto a esto, la obra inédita de Moss es apabullante).

El kimono como soporte de dibujos es igual al papel como soporte de fotos de RuPaul, Beth Ditto, penes y penetraciones, Annie Lennox y otros para libros y fanzines. Moss tiene una cualidad prêt-à-porter tanto como editor e ilustrador. ¿El Kimoss es un libro/ pieza conceptual de dibujos en formato kimono (textil), un libro de artista o simplemente un kimono con los dibujos de un artista predilecto? Los ilustradores de moda, como Unskilled Worker o Danny Roberts, toman imágenes fotográficas de las revistas Vogue y dan su impronta con líneas y colores; así Moss toma dibujos originales de Jean Cocteau y propios y los agranda en un kimono que él mismo cortó y cosió.

Las fotografías de la exposición Bodegones Almodóvar, del cineasta Pedro Almodóvar, tienen la sencillez limpia del kimono ilustrado de M. E. Moss. En ambos casos, una superficie lisa y sencilla muestra pequeñas zonas complexas.

Juan Gatti dice en una entrevista, que en la época del Di Tella a él y otros artistas les importaba más lo que llevaban puesto que lo que exponían, lo que podría aplicarse también con humor a esta actitud de Moss, donde importa tanto lo que usaría de vestimenta en un evento que directamente exhibe esa prenda, ya incluso sin él mismo, sin su cuerpo.

Moss es un artista que osa arriesgarse de modo inevitable debido a su visión pink-queer del mundo: no es un dibujante ocasional de penes erectos. El homoerotismo es crucial, identitario.

La irrupción de lo homo en la obra de Moss vinculada a la moda, está más próxima a Marc Jacobs que a otros diseñadores. Karl Lagerfeld, Yves Saint Laurent, John Galliano, Alexander McQueen, Valentino, Jean-Paul Gaultier, Versace, todos diseñadores de alta costura, han sido (en referencia a los fallecidos) y son maricas, pero eso apenas si se aprecia en su trabajo. La mayor parte de los artistas no heterosexuales de Argentina tampoco incluyen ese tema como corpus fundante de su obra: ¿deberían hacerlo? Marsha P. Johnson no podía dedicar su tiempo a algo ajeno a su vida trans porque si no se negaba a sí misma.

Crear dentro de la línea arte prêt-à-porter, pone en paralelo al Kimoss con los muros fugaces de Banksy. Tanto Moss como Banksy tienen una ideología muy precisa, no son personas superficiales no diciendo nada, sino que sus trabajos los ponen en juego con fuego porque tienen mucho que perder. Ambos son explícitos en sus opiniones. Muchas personas aparentemente gay friendly en realidad no pueden tolerar la verdad sexual de los encuentros homo: pueden apropiarse de las boas de plumas pero no de un hombre/ una hombra desnudx con lordosis ofreciendo su cola, menos su amor. Moss, con esta obra, además, hace un gesto a Keith Haring con sus intervenciones en la vía pública.

El kimono ilustrado usado en un entorno urbano es postura Truk Art Project, del coleccionista Jaime Costa, que es dueño de una empresa de camiones con obras de arte originales pintadas sobre ellos. Llegan fuera de la elite circunspecta a galerías de arte y museos en largas distancias que recorren ad hoc.

Si alguien llevara puesto el kimono con dibujos de Cocteau y Moss por la calle, ¿sería llevado a prisión u obligado a desnudarse? En territorios católicos como España, que tiene la tasa más alta de Europa de trabajadoras sexuales, como en la ciudad de Córdoba, que tiene la tasa más alta de usuarios de Tinder, es llamativo que posean estas estadísticas, porque tácitamente la mayor parte de la población está conformada por parejas formales en contexto de noviazgo o matrimonio. Esas mismas personas insinceras son las que colocan al sexo como tabú y no dejarían circular a alguien vistiendo el Kimoss entre peatones citadinos.

El kimono ilustrado se vive como un globo de helio fucsia con estrellas plateadas, escapado de su atadura y atrapado en lo alto de un shopping center entre dos grandes spots de luz: invisible para la mayoría y un guiño con pestañas postizas tamaño super size para pocos.

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Artista: Myler Edsen Moss
Titulo: “Kimoss”
Muestra: “Hetero Friendly 2018”
Lugar: Bastón del Moro (Bv. Chacabuco)