ELLAS ABREN LA TEMPORADA DEL GENARO PÉREZ
A partir de las 19:30 hs. este Jueves 22 del Marzo en el Museo Genaro Pérez quedará inaugurada la muestra de las artistas Marta Minujín, Margarita Paksa y Dalila Puzzovio, entre otras exposiciones que darán inicio a la temporada 2012 y continuidad al Ciclo M —en homenaje al Día Internacional de la Mujer.
En el museo se mostrarán obras realizadas en la década del 60, años en que las tres artistas comenzaron sus exposiciones, junto a piezas realizadas en el nuevo siglo.
Estas tres creadoras son una mención ineludible de las artes visuales en el país, en América Latina y en el circuito global del arte contemporáneo.
El público podrá disfrutar de las creaciones de Minujín y Puzzovio, referentes emblemáticas de la historia del arte contemporáneo argentino, al igual que Paksa, fundadora del arte conceptual y del arte político en nuestro medio.
La muestra en Córdoba incluye pinturas, objetos, esculturas, videos e instalaciones; ha sido curada por Pelusa Borthwick; y podrá visitarse con entrada libre y gratuita, de martes a domingos entre las 10 y las 20 hs.
Además, inauguran: MICROESPACIOS / PLATAFORMA: “daftcarpias”, de Mariano Barrera *** LAS VENTANAS DEL GENARO Espacio – Ciudad – Espacio – Museo: Aylén ², Aylen Crusta + Aylen López Ramírez |Intervención *** OTRAS LECTURAS : “Muestra sobre el papel de la mujer a través del tiempo representada con obras de la colección” | Dibujo, grabado, pintura, escultura *** IV ARTE ÚNICO / FERNET BRANCA: “Un Lugar en el Mundo” | Categoría Afiches – Afiches.
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APERTURA TEMPORADA 2012
:: ELLAS SON :: MINUJIN / PAKSA / PUZZOVIO
Curadora: Pelusa Borthwick
Las artistas Marta Minujín, Margarita Paksa y Dalila Puzzovio que iniciaron sus exhibiciones en los años 60, presentan hoy en el Museo Genaro Pérez obras de esa década junto a piezas de su producción realizadas durante el primer decenio del siglo XXI.
Estas tres creadoras son una mención ineludible de las artes visuales en el país, en América Latina y en el circuito globalizado del arte contemporáneo.
Cuando estudiamos el arte argentino de la segunda mitad del siglo XX, la estatura estética de sus figuras remite inmediatamente a la transformación ocurrida en el circuito del arte nacional. Reiteramos la afirmación que los colchones de Minujín y los zapatos de Puzzovio son un punto culminante en la extensa producción de cada una y en la historia del arte local. Ellas comparten este punto de referencia con Paksa, quien es considerada una de las fundadoras del arte conceptual y del arte político en nuestro medio.
Las tres artistas aceptan los desafíos planteados por su tiempo.
Marta Minujín decide abandonar sus estudios regulares en la Escuela de Bellas Artes porque su meta es ser una artista de vanguardia. Inicia su amistad con Alberto Greco. En 1961 gana una beca y se va a estudiar a París. Allí comienza con sus estructuras habitables y dos años después realiza “La Destrucción”, su primer happening.
En 1966 gana la beca Guggenheim y se traslada a New York donde su obra se vuelca hacia los medios de comunicación. Ese mismo año produce “Simultaneidad en Simultaneidad” junto a Alan Kaprow y Wolf Vostell, obra que tiene lugar en tres ciudades al mismo tiempo.
Después continuará con muy importantes obras. Citamos “Minuphone”, una cabina telefónica que reacciona a los números discados, entre muchas otras producciones posteriores realizadas en Buenos Aires y en otras metrópolis de occidente.
Minujín es reconocida como una de las promotoras del mundo en la disciplina del arte de acción así como una de las pioneras del cruce de ciencia, arte y tecnología en Argentina.
Para ella el arte es su casa y desde allí nos invita a profundizar en su obra y en el personaje que ha creado de sí misma, ambos íconos reconocidos del arte contemporáneo argentino.
Margarita Paksa ha desarrollado una referencial actuación docente como titular de Multimedia en carreras de grado y posgrado del Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA) y como investigadora de CONICET ha dirigido proyectos sobre arte en el espacio público y net Art, disciplinas ambas donde es reconocida como una pionera insoslayable. Expone su obra en Canadá en diversas oportunidades y dicta cursos en facultades de arte de Otawa y Montreal.
Ha publicado numerosos ensayos y nos cabe citar especialmente su libro bilingue “Proyectos sobre el discurso de mí” (proyectos presentados en el Instituto Di Tella en los 60) editado por Fundación Espigas en 2004.
En su libro, actualmente en preparación, acerca del minimalismo reitera su concepto de la máxima concentración de la obra en el mínimo soporte.
Paksa es una figura de cita en el panorama del arte actual en nuestro país.
Dalila Puzzovio nos cuenta que sus padres alentaron su vocación por el arte y que posteriormente contó con el apoyo de sus entrañables maestros Juan Batlle Planas y Jaime Davidovich.
Miembro activo del “Grupo del Di Tella”. En 1966, después de recibir el Segundo Premio del ITDT, gana la Bienal de Lima, Perú.
Artista pionera en convertir la obra de arte en una experiencia de consumo, visualizamos el hecho de sus “Doble Plataforma” y la zapatería Grimoldi instalando el producto arte en las distintas sucursales de la ciudad de Buenos Aires. Sus experimentaciones en el terreno del diseño de moda enriquecen el panorama nacional y han hecho de ella un ícono de elegancia y estilo.
Desde 1998 presenta su serie Híbridos que consiste en collages sobre papel junto a su correlato impreso en vinilo. Esta serie de Dalila tiene una alta demanda hoy en el mercado de arte argentino.
Puzzovio desvincula objetos de su función intrínseca y los re-contextualiza. Su conocimiento profundo del arte contemporáneo junto a la originalidad que la caracteriza, la instalan como referente de esta operación estética en Argentina.
Celebramos la presencia en el Museo Genaro Pérez de esta tríada de mujeres artistas constitutiva de la identidad del arte argentino.
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:: MICROESPACIO PLATAFORMA – Espacio destinado a los futuros consagrados
DAFTCARPIAS :: Mariano Barrera
Curadora: Lic. Mariana del Val
Parto de la duda de poder definir una obra por los principios que la integran, por su apariencia o por su búsqueda de ilusión. De alguna manera las partes y el todo se constituyen en un discurso que se abre en un infinito de posibilidades.
Como una búsqueda de equilibrio entre la sutil poética del tratamiento y la delicadeza con la que trabaja elementos rígidos estructurales, se supera la instancia misma del material en lo que el autor expresa como una búsqueda de lo espiritual con la presencia del espacio real, el movimiento y fundamentalmente el tiempo de comunicación.
El punto de partida en la constitución de cada trabajo es la obtención de una unidad, de partícula única, o de forma reina, que articulada de manera relacional, más que en si misma, explota sus propias cualidades formales dispuesta en una periodicidad, y de esta manera logra una secuencia ornamental. El tratamiento del movimiento guarda relación con el estudio sobre las formas secuenciales comunes a la problemática narrativa, tanto en el cine como en las composiciones musicales, son el modo de conducir la atención del espectador.
La complejidad de un objeto sencillo en su tratamiento casi obsesivo de lo material, en lo que él mismo denomina el plano y sus posibilidades, rumbo a las formas que se construyen y se destruyen en simultáneo, intentan provocar el momento en que el espectador puede quedar en un estado de silencio interior.
La blanquedad, su relación con lo óseo, estructura subyacente del ser y del paso del tiempo, se vuelve imperceptible. Sus trabajos tienen algo de inaprensible, de infinito, con una idea de forma abierta, de no compensación.
+ acerca de Mariano Barrera
Córdoba, Argentina, 1981. Estudió Artes Plásticas en la Escuela Superior de Bellas Artes Dr. José Figueroa Alcorta y en la Universidad Nacional de Córdoba. Trabaja en diferentes proyectos donde vincula las disciplinas artísticas audiovisuales, musicales y teatrales; indagando en simultáneo los diversos lenguajes. Expuso en muestras individuales y colectivas en Córdoba y el interior. Desde el año 2007, trabajó como montajista en el Museo de Bellas Artes Emilio Caraffa – MEC. Actualmente, es Diseñador Museográfico y Jefe de montaje del Museo Superior de Bellas Artes Evita – Palacio Ferreyra.
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:: LAS VENTANAS DEL GENARO – Espacio de arrebatos creativos
Espacio – Ciudad – Espacio – Museo
Aylén ² : Aylén Lain Crusta + Aylén López Ramírez
Dícese del espacio el “continente de todos los objetos sensibles que coexisten. Transcurso de tiempo. Distancia entre dos o más cuerpos”. Entidad que calla y cobija verdades, realidades que lo han construido a lo largo del tiempo.
Entendemos la obra como un proceso de construcción complejo a partir de la interrelación de espacios, el afuera y el adentro.
:: Espacio – Ciudad – Espacio – Museo surge a partir de la necesidad de exteriorizar el espacio museo hacia la ciudad y paralelamente interiorizar el espacio ciudad dentro del museo. La obra se plantea como un proceso de análisis de la iconografía arquitectónica extraída del recorrido del ciudadano en su rutina. Cada obra se genera a partir de un contexto al que podríamos denominar espacio. Las obras exponen una relación explícita o implícita con la circunstancia temporoespacial de su producción.
Comprender la construcción de espacios como una acción consciente / inconsciente dentro de la vida de la urbe, de la cual formamos parte, quizás sea comprender la necesidad de la mutua dependencia que presupone la coexistencia del museo como institución y su necesaria apertura a una sociedad que no sólo estimula su permanencia sino que se ve reflejada en gran parte de su identidad, en tanto las obras son testigos de la historia que la atraviesa.
+ acerca de Aylén Lain Crusta:
Córdoba, Argentina, 1987) Lic. en Pintura de la Facultad de Artes, UNC. Sus trabajos indagan las modalidades de combinación del arte – espacio. “Simbiosis Semántica” [intervención de la obra de Gerardo Repetto], Museo Emilio Caraffa, promovía la inquietud de la obra estática de contemplación. La serie de pinturas “Representación de Rep.” presentaba la libertad de información artística en la web y la reinterpretación de obras consagradas. “Coexistence project: Miami-Córdoba”, Contemporary Art Center of Miami, junto a Juan Gugger y Manuel Molina marcaron el desplazamiento a crear obra conjunta. Participó en la muestra internacional Afuera! Arte en Espacios Públicos, organizada por el CCE.C, junto al artista guatemalteco Aníbal López.
+ acerca de Aylén López Ramírez:
Córdoba, Argentina, 1985. Lic. en Grabado de la Facultad de Artes, UNC. Transgrede la disciplina gráfica para involucrarse con el espacio como materia prima en una constante búsqueda por las relaciones interdisciplinares. Participó en actividades ligadas al diseño, realización y montaje, lanzamiento de la revista “Ciudad X” en el Museo Emilio Caraffa, y la “Ópera Eugenio Onguin”, Teatro del Libertador San Martín, junto al escenógrafo Santiago Pérez. Forma parte del Proyecto teatral “Zoociedad”, a cargo de Jorge Villegas para el 8º Festival de Teatro del Mercosur. Trabajó con instalaciones relacionando los conceptos de proceso, identidad y espacio, en la Serie Pucará desde 2005, presentando la exposición individual “Pucará 12”, en La Fábrica Cultural.
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OTRAS LECTURAS: MUESTRAS EN PLANTA BAJA DE NUESTRA COLECCIÓN
“ELLAS…por ELLOS”
Muestra sobre el papel de la mujer a través del tiempo representada con obras de la colección.
Artistas: Genaro Pérez / César Fernández Navarro / Francisco Vidal / Amadeo Gras / Antonio Berni / Fernando López Anaya / Carlos Alonso / Gabriel Orge / Celia Marcó del Pont / Alicia Candiani / Candelaria Silvestre / Beatriz Rodriguez Tarragó / Mildred Burton / Marta De Ferrari / Ana María Sola / Martín Pérez Agripino / Roque O. Fratichelli / Dalmacio Rojas / Ernesto Sonería / Augusto Schiavoni / Roberto Luis Borga / Antonio Seguí / Raquel Forner. Técnica: Dibujo, grabado, pintura, escultura. Curaduría: a cargo del staff del Museo.
“No se nace mujer, se llega a serlo”, Simone de Beauvoir.
:: El recorrido guiado abarca obras pertenecientes al acervo del museo, desde S. XIX a la actualidad, en las categorías de pintura, dibujo, grabado, fotografía y escultura. En su mayoría son obras de artistas cordobeses, que representan nuestros constructos socioculturales, modos de ser y construcción de la alteridad en imágenes. La imagen es lo que no se mueve, lo que no habla. Asociamos a ella la contradicción, la ambigüedad, la conciencia y lo no consciente; son producto y reflejo de nuestra historia.
“Ser Mujer”, idea construida cultural, racional y consciente, se ve en obras de nuestra colección atravesada por el emergente no consciente iconizado en ellas.
Un análisis reflexivo y conmemorativo incluye interacción de lenguajes: el de las imágenes y el del puente verbal de Simone de Beauvoir; posibilitando un recorrido que promueve el conocimiento sensible de signos icónicos como herramienta de entendimiento.
Entonces, llegar a ser sujeto esencial, como “Ser Mujer“, aparece y se muestra en imágenes, construcciones icónicas embebidas de ideas, de los otros (ellos): los artistas.
Analizar, reflexionar y comprender la connotación en la denotación es desentrañar lo ausente, lo deseado, lo ganado… aquellos que por magia de la emoción se desoculta.
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IV EDICIÓN – “ARTE ÚNICO ” Un Lugar en el Mundo.
Muestra Itinerante del Concurso de Afiches Fernet Branca
Integrada por obras seleccionadas y ganadoras del Concurso de Fernet Branca.
Fernet Branca presenta la por cuarto año consecutivo el Concurso Fernet Branca Arte Único – Categoría Afiches bajo la temática “Un lugar en el mundo”. La Muestra Itinerante que recorre museos y espacios artísticos de todas las ciudades del país incluye afiches ganadores, menciones y seleccionados.
Para la idea y concepción de los afiches en la presente edición, los participantes tuvieron en cuenta la temática UN LUGAR EN EL MUNDO, a través de la cual resolvieron el diseño, la visión de la marca y de la sociedad actual. En este marco, el primer premio fue otorgado a Erika Elizabeth Vines de Neuquén, el segundo lo recibió Ana Kazaroff de Capital Federal y el tercero fue para Manuel López Arambarri, oriundo de Bahía Blanca.
El jurado encargado de elegir las obras, estuvo integrado por el fotógrafo Juan Cavallero, el artista y Director de Arte, Omar Panosetti; la artista plástica Carolina Antoniadis, el docente y degustador de arte, Julio Suaya y Enrique Longinotti, arquitecto y docente.
Desde su creación hace casi 165 años, Fernet Branca se vinculó al arte a partir de la comunicación de sus productos. Es así que posee una colección invalorable de afiches que representan al producto, la marca y la sociedad en la que estaba inmersa. Integran esta colección obras de reconocidos artistas que se plasmaron en almanaques a fines de 1880: Giuseppe Amisani, Elio Stelminig, Plinio Codognato, Osvaldo Ballerio, Achille Luciano Mauzan y Leopoldo Metlicovitz, creador del actual isologo de la Marca.
Fecha: Jueves 22 de Marzo :: 19:30 hs.
Lugar: Museo Municipal de Bellas Artes Dr. Genaro Pérez (Av. General Paz 33)
Entrada Libre y Gratuita
