BÚSQUEDAS COLECTIVAS
Este Jueves 6 de Octubre a las 19:30 hs. el Museo Municipal Dr. Genaro Pérez abre la anteúltima muestra del año. Como ya nos tiene acostumbrado el Museo, presentará inauguraciones múltiples.
En esta ocasión, el Ciclo Curadores al Museo presentará “Desplegable: pensar el paisaje de lo urbano”, pintura, video, fotografía, objetos e intervenciones seleccionadas por las curadoras Patricia Ávila y Gabriel Gutnisky. Bajo el paragüas de la Bienal de Fotografía de Córdoba, expone Xavier Martín, con su muestra “El primer misterio”.
Todas las muestras se exhibirán hasta el Lunes 21 de Noviembre
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DESPLEGABLE: PENSAR EL PAISAJE DE LO URBANO
Curadora: Patricia Ávila
Coordinación: Gabriel Gutnisky.
Co-curaduría: Mariana del Val.
DESPLEGABLE | Este es un proyecto curatorial que establece vínculos entre obras y autores locales de diversos tiempos a partir de aspectos en común.
Esta muestra se propone como un modo de pensar el paisaje de lo urbano desde las diferentes prácticas que conviven hoy en el campo del arte, algunas consideradas centrales y tradicionales como las pinturas y otras consideradas normalmente documento histórico como las fotografías de época. En principio recordaremos que todos los objetos que tenemos a nuestro alrededor son de época; de ésta época, ya que están aquí presentes para ser interrogados y a la vez interpelarnos, es decir que están activos. Lo que varía, y muy especialmente en las obras de la muestra, es el momento de producción. Así cada grupo de obras se presenta como una manifestación de su momento de producción (ese sería uno de sus presentes) y propone lenguajes, temas, materiales y formas de interpretar “lo urbano” tanto en aquél momento como hoy al entrar en diálogo con otras obras y públicos.
Cuando decimos pensar el paisaje de lo urbano nos referimos a que ésta muestra se aproxima sólo a algún aspecto de la cuestión, ya que lo urbano podría ser pensable de infinitas maneras hoy y obviamente mañana también, y más, de diferentes maneras a las de ayer, que ya estarán incluidas en este presente.
Este pliegue y despliegue del espacio y el tiempo, esta bastedad, esta riqueza, es la que nos conmueve a la hora de pensar en términos de paisaje.
El paisaje, tan cercano al sentimiento de lo sublime y su estética, convoca a la inmensidad y es esa conciencia de la extensión inabarcable la que conmociona. Y en el caso del paisaje de lo urbano es fundamental la apertura al estado relacional que implica la percepción del espacio tramado y construido para la experiencia de vida pública y social de una comunidad. Entonces también es obvio que el paisaje deja de ser un género cristalizado por la historia del arte sino que es una experiencia, un proceso de configuración simbólica, un espacio de confrontación, la emergencia de modos de percibir la vida en la ciudad, etc.
Por ende las obras necesariamente responderán a naturalezas diferentes y es la articulación entre ellas lo que guía un recorrido que ensaya la noción del lo urbano y su esencia relacional.
La estrategia curatorial se propuso a partir del diálogo entre los “datos” ya sean estos formales o temáticos. En el diálogo no necesariamente se responden los discursos sino que se co-responden con respecto a un tópico para comentarlo con su propia voz, expresión formal, concepción estética. Un tema del paisaje urbano es la calle con alguna casa o edificación, es decir la arquitectura comprendida en términos pintorescos. La selección de pintores de Córdoba responde a ese modo de comprender el paisaje, en el que cada artista ha manifestado su técnica y su “tono” para decir la ciudad hecha de calles, casas, y sobre todo para ser pintura o grabado.
Cercanas están las fotos como imágenes testimoniales que recopiló Cristina Boixadós y son efectivos documentos de la historia en imágenes de la ciudad de Córdoba.
Luego Paula Roqué tomó como referencia esas fotografías del siglo pasado recopiladas por Boixadós, y se situó en el mismo lugar, cien años después, haciendo coincidir el lugar exacto del registro inicial con el presente. La operación supuso ponerse en el lugar del otro, en su mirada, en sus elecciones estéticas. En una segunda instancia Paula superpone las imágenes, y produce una nueva situación formal con carácter de palimpsesto. Como señala Mariana del Val, la obra de Paula actúa en términos de postproducción ya que toma la cultura como escenario, haciendo uso de objetos producidos por otros como instrumento de la propia producción.
Esta obra establece un intercambio entre dos mundos, entre obras, entre miradas. Si algo parece motivar esta relación de pasado y presente es la puesta en valor no solo del registro arquitectónico sino de esa aura melancólica que despierta lo desaparecido.
A su vez, Martín Carrizo propone obras en construcción o construidas (según el momento de la producción en que lo encontremos). Son casas en escala objetual que él mismo fabrica desde los ladrillos, los cimientos, los encadenados, los muros, la loza. Martín como artista es también un albañil que pasa por todos los estadios de la construcción, desde el diseño arquitectónico, a la fabricación del ladrillo. Su obra pone en juego su preocupación y cuidado por el “saber” y el “hacer” aplicado a lo técnico/ práctico como concepto de gran importancia para él. Tanto sus casas como las prácticas constructivas dialogan con las pinturas y la fotos; tal vez comentando el lugar que tiene el hábitat nuclear que es la casa y la experiencia del “hacer hábitat” que caracteriza el movimiento urbano.
Ese movimiento entre modos de producción es lo que nos permite “pensar el paisaje de lo urbano” ya que enlaza unas obras a otras y en ese transcurrir podemos preguntarnos por ejemplo ¿cómo opera esa relación con lo testimonial en el caso de las fotos, de las pinturas, de los objetos?
Nos gustaría que el espectador pudiera percibir ese movimiento del tiempo en el espacio que pasa por los sujetos (en este caso los artistas) cuando vuelven la mirada uno sobre los otros, como en un canon melódico. Cada instancia tiene su momento, su identidad y sus autores. Y es interesante observar como en cada una al autor está en posiciones distintas.
Uno de los casos que más notoriamente opera sobre la interrelación autoral es la obra “La mesa” del 2001 de Urbomaquia, una intervención urbana que ocupó la escena de la calle para constituirse en foro ciudadano espontáneo y registrar mediante el texto sobre los objetos (mantel y platos de la mesa) la intensa controversia política y emocional que rodeó a la crisis que luego estallaría dramáticamente en el país a fin de ese mismo año. Estallido público, reocupación de la calle, luego de la búsqueda del lugar común para expresar el descontento social que respondió a la necesidad de la insurgencia colectiva. Urbomaquia como cuerpo autoral colectivo invocó al colectivo social que respondió configurando así una intervención performática de la cual solo quedan objetos, fotos, palabras que la actualizan siempre distinta, con otros efectos que nos permiten verla tal vez mas claramente como “obra de arte” ahora museable pero siempre inquietante ya que el río de voces resuena y actualiza un estado que es aún una especie de horizonte para las experiencias políticas presentes. Urbomaquia propone la importancia de las acciones en el espacio urbano y de la circulación de las palabras como eje conceptual de la obra que se asienta claramente en la dimensión política que implica la interrogación sobre el espacio público y sus conflictos.
Los versos de León Felipe y la gran mesa tendida -en clara alusión al hecho cotidiano de la alimentación y asociada a su falta- ubica a la obra en un modo de interrogación acerca de éstas y otras carencias en el ámbito individual y social. Lo ausente no sólo alude al hambre, sino que logra enlazarse a otras carencias al ubicarse en un espacio social público donde interactúa con significados en torno a la justicia y los bienes sociales, tanto materiales como simbólicos.
La mesa se constituye en un espacio de encuentro e intensa comunicación y es soporte de un proceso de expresión a través de la palabra escrita.
Se registraron unos 1800 textos, provenientes de adultos, jóvenes y niños.
Noelia González también toma la palabra, pero ha dificultado la lectura del contenido; lo que utiliza con singular laboriosidad es la textura tipográfica de las frases extraídas de la revistas con lo cual reconfigura el significado de la palabra al hacer jugar la textura tipográfica como totalidad que termina configurando una composición abstracta. Urbomaquia y González nos recuerdan que lo urbano hoy es comunicación, estrategias publicitarias, política, palabras y palabras muchas veces destinadas a no ser comprendidas, palabras en revistas y en paredes. Imaginando lo que no es, lo urbano hoy carece de silencios, su ruido es una textura, rara, de brillos opalinos, como las superficies que nos propone Noe. Estas obras se complementan con unos videos que registran su práctica en skates, experiencia que cultiva junto a sus imágenes. El paisaje de lo urbano está hecho no sólo de casas, sino de prácticas, hoy en skates los más jóvenes (algunos ya no tanto) circulan y juegan en la topografía de las calles, veredas, canteros. Ellos son parte del paisaje y ocupan la calle, la habitan y la reconfiguran dejando muchas veces sus signos en ellas. La cultura urbana del skate, es pariente de la cultura graffitera. El desplazamiento en skate es un modo de estar y por ende un punto de vista. Noe nos muestra en sus videos como se puede revelar el punto de vista de su paisaje que es de movimiento, deslizamiento que es la misma lógica plasmada en sus obras de superficie.
Pensar el paisaje es abrirse al espacio en el tiempo, a relaciones de escalas y desplazamientos, del ojo, del cuerpo y de la mente.
+ Acerca de Patricia Ávila:
Magister en Comunicación y Cultura Contemporánea. Licenciada en Pintura. Artista, investigadora. Autora del libro “Y tú también te vas… Argentina y el dinero” Adriana Hidalgo Editora (2008). Coordinó el Proyecto TXT y el libro “Textos de artistas y otros contextos” (2010). Es profesora de Introducción a la Plástica Experimental y de Pintura I y II en la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba
+ Acerca de Gabriel F. Gutnisky:
Artista Visual, Arquitecto, miembro de la Asociación Argentina de Críticos de Arte, Docente-investigador de la UNC- Autor del libro: Impecable Implacable. Marcas de la contemporaneidad en el arte” 2007. Actualmente es Profesor en Introducción a la Plástica Experimental, Lenguaje Plástico Geométrico I y Pintura IV de la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba.
+ Acerca de Mariana del Val:
Licenciada en Pintura. Es docente en cátedras de Pintura y Morfología de la UNC. Expone colectiva e individualmente su obra desde 1988 y hasta la actualidad. Ha obtenido diferentes distinciones y premios. Es integrante de diferentes equipos de investigaciín y realiza numerosas tareas curatoriales.
Sobre «Curadores al Museo»
Este ciclo contempla la producción expositiva en conjunto con la producción teórica orientada al arte contemporáneo. La selección de los curadores tiende a destacar las prácticas artísticas contemporáneas y tiene que ver con uno de los objetivos de la gestión que es la pluralidad de miradas e intérpretes, involucrándose en la vida social de la ciudad y sus diferentes necesidades, voces e interpretaciones.
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Bienal de Fotografía Córdoba 2011 – muestra individual
XAVIER MARTÍN – El primer misterio
Curador: Anibal Mangoni
Co-organizada con el Centro de Estudios Fotográficos
Bienal de Fotografía Córdoba 2011
En la vida diaria realizamos un intercambio constante con la inmensa serie de apariencias que nos rodean: a veces son inesperadas y nuevas, pero siempre nos confirman en nuestras vidas. Y aunque sean inquietantes, no dejan de recordarnos nuestra vida y su importancia. Lo que vemos habitualmente nos confirma.
Pero puede suceder que, de pronto, inesperadamente, y con mucha frecuencia en la media luz de las miradas furtivas, columbremos otro orden visible que se cruza con el nuestro y no tiene nada que ver con él. Es como si en los breves momentos de los que hablo, de pronto, para nuestro desconcierto, fuéramos capaces de ver entre dos fotogramas y nos topáramos con algo que no estaba destinado a nosotros. Puede que estuviera destinado a las aves nocturnas, a los renos, a los hurones, a las anguilas, a las ballenas…
El orden visible al que estamos acostumbrados no es el único: coexiste con otros. Los cuentos de hadas, de fantasmas y de ogros eran un intento humano de reconciliarse con esa coexistencia. Los cazadores siempre lo tienen en cuenta, y por eso siempre son capaces de leer signos que nosotros no vemos.
Los niños lo perciben intuitivamente, porque les gusta esconderse detrás de las cosas, y desde allí descubren los intersticios existentes entre las diferentes gamas de lo visible.
Los perros, con sus rápidas patas, su aguzado olfato y su desarrollada memoria para los ruidos son por naturaleza expertos en las fronteras entre los diferentes órdenes visibles, expertos conocedores de estos intersticios. Sus ojos, cuyo mensaje suele confundirnos porque es urgente y mudo, están adaptados tanto al orden humano como a los otros órdenes visibles. Por eso, tal vez, en tantas ocasiones y por tantas razones distintas, adiestramos a los perros como guías.
Los intersticios están abiertos. El resultado es inquietante: hay más soledad, más dolor, más abandono. Pero al mismo tiempo, hay una expectación que yo no he vuelto a experimentar desde la infancia, desde que hablaba con los perros, escuchaba sus secretos y me los guardaba para mí.
+ Acerca de Xavier Martín:
(Buenos Aires, Argentina, 1974)
En 1990 toma sus primeros cursos de fotografía en el Fotoclub Buenos Aires, mientras empieza la carrera de Diseño Gráfico en la UBA. Años después se desempeña durante 8 años consecutivos como docente universitario de la materia Diseño Gráfico / Cátedra Wolkowicz – UBA y trabaja como diseñador gráfico, primero en estudios de diseño y empresas y luego de manera independiente.
En 2001 comienza a trabajar como fotógrafo independiente para distintos medios gráficos y para el Programa de Comunicación Visual del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires donde desarrolla el primer Banco de Imágenes digital de la ciudad. Posteriormente Comienza a trabajar como fotógrafo para el Suplemento RADAR de Página/12, retratando personas centrales de la escena cultural de Buenos Aires y para la Revista LUGARES del grupo La Nación, fotografiando viajes por distintos lugares de todo el pais y el exterior.
Durante diez años asiste a los talleres de ensayo fotográfico de Adriana Lestido y en ese marco comienza a desarrollar su obra personal: Sueños (2001-2003); Ciegos (2002); Carlos (2001-2007); Te espero en el infinito (2005-2008); Los días presentes (2007-2008); Un lugar verdadero (2009-2010).
En 2008 realiza la exposición Los días presentes en Cualquier Verdura, San Telmo, Buenos Aires.
201º, una exposición individual en La Estación de los Deseos y en Octubre del mismo año en Bardepán, Colegiales, Buenos Aires.
Desde hace dos años dicta -junto a Juana Ghersa- talleres grupales de fotografía en Cualquier Verdura, San Telmo.
Actualmente Vive y trabaja de forma independiente como fotógrafo y diseñador en la ciudad de Buenos Aires.
Sobre la Bienal de Fotografía Córdoba 2011
La presente muestra forma parte de la Bienal de Fotografía Córdoba 2011 que se viene realizando en nuestra ciudad desde el mes de Septiembre y que se extenderá hasta el 22 de Noviembre. La misma presenta un núcleo sólido de cinco exposiciones que muestran en el escena local a cuatro artistas argentinos: Pastorino, Xavier Martín, Diego Levy y Grete Stern y una Feria de libros de fotos de autor.
A patir de estas propuestas se suman otras actividades: conferencias, revisión de portfolios y workshops. Bajo el título “Encuentro con el Autor”, la bienal cordobesa gestada y producida por el Centro de Estudios Fotográficos (CEF), abre al público las charlas con los artistas expositores y otros invitados especiales que vienen a esta ciudad para dialogar y participar también en los portfolios, junto a un grupo de fotógrafos locales.
La Bienal de Fotografía Córdoba 2011 es una plataforma para el aprendizaje e intercambio de ideas alrededor de la fotografía y la investigación, un encuentro para todos los interesados en esta disciplina.
La Bienal tiene acciones semanales durante todas las semanas de Octubre y Noviembre en el Museo Genaro Pérez, la Casona Municipal, el Museo de las Mujeres, el Pabellón Argentina y el CEF.
Sobre la Feria de Libros de Fotos de Autor
La Feria de Libros de Fotos de Autor es un espacio óptimo para difundir masivamente libros de artistas y ediciones independientes, y propicia el intercambio entre fotógrafos, editores, artistas y público. Desde el año 2002, la Feria tiene lugar una vez al año en la ciudad de Buenos Aires y a partir de 2009 inició un recorrido por diferentes países: viajó a México invitada por el Centro de la Imagen y a Uruguay, por el Centro Municipal de Fotografía. El año pasado adhirió a la programación del Festival de la Luz y viajó a Tucumán a participar de la Cuarta Bienal de Fotografía Documental.
Ahora se presenta en Córdoba en su décima edición, acompañando la Bienal, con una selección de 100 libros de fotos de autor.
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MUESTRA INDIVIDUAL
FERRUCCIO GARD
Colorismo Veneto // El Colorismo Véneto
… La pintura de Ferruccio Gard ofrece la más fascinante de las trampas: el marco racional del discurso visual es solamente el punto de amarre de un “Bateau Ivre”, de una hipertrofia lírica sin fin. Ahora entiendo plenamente cuál es la clave de lectura de la obra de Gard. El color es vida en la vida (…) La pintura de Gard es respiro existencial.
Pierre Restany
Realmente sus colores y las composiciones de sus cuadros me han tocado en lo profundo. Su pintura es extremadamente personal, creo que sus telas no podrían ser pintadas por ningún otro artista, por el equilibrio y los contrastes de los colores, que reflejan una personalidad singular en la cual la sensibilidad cromática y el dominio de la técnica son valores esenciales.
Jorge Amado
… Es como si fuéramos invitados a admirar, pero desde una cómoda distancia de protección, la infinita fenomenología de las erupciones volcánicas o los procesos de fusión del átomo o los acontecimientos de una pizca de vida extraterrestre venida a consumirse aquí, sobre la Tierra, en condiciones para ella adversas.
Renato Barilli
+ Acerca de Ferruccio Gard:
(Vestignè, Turín, 1941)
Es uno de los más conocidos exponentes del nuevo abstractismo. Cuenta con 130 muestras personales y más de 200 colectivas en museos y galerías de todo el mundo. Fue invitado a seis ediciones de la Bienal Internacional de Venecia (1982-1986-1995-2007-2009-2011) y a la XI Quadrienal Nacional de Roma (1986). Después de los iniciales periodos surrealistas y metafísicos, en 1978 arribó, siguiendo una coherente evolución, al arte programado y cinético, al neo-constructivismo y al arte gestáltico. En este ámbito ha continuado sus investigaciones sobre las relaciones luz-espacio-forma y sobre la percepción visual. Sobre el arte de Gard han escrito conocidos poetas, escritores, críticos y artistas, desde Pierre Restany y Achille Bonito Oliva a Jorge Amado y Andrea Zanzotto, sólo por mencionar algunos.
Vive y trabaja en Venecia.
La muestra El colorismo véneto, de Ferruccio Gard, es una coproducción con el Instituto Italiano de Cultura de Córdoba y es posible gracias al sostenimiento de la Regione Veneto. La inauguración contará con la presencia del artista.
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LAS VENTANAS DEL GENARO
Mudas de tiempo, abrigar el misterio – Eugenia Puccio y Mariana Alasino
“Jugando de verdad el que gana pierde”
Ciro
¿Dónde empieza una ventana, dónde termina? ¿Hay principio y fin de la ventana? ¿Se puede definir su límite, su hasta dónde? Tomamos la apertura de la ventana y, por un tiempo, dejamos pasar lo que pasara. Pasó un nido vacío y un perdón, un vientre gestando vida, un pasamanos-cordón umbilical, “La canoa de papel” y “Quemar la casa” de Eugenio Barba, “La mundialización del mundo” de Jean Luc Nancy, la autobiografía de Gandhi y por ley de buena vecindad “El ritual de la serpiente” de Aby Warburg. Con su sola presencia y cuando estábamos más desesperadas porque las cosas pedían aire abrió otra ventana y el vientre devino nido de víboras y el pasamanos, serpiente.
Ocurrió lo que deseábamos y lo que temíamos, encontramos lo que no buscábamos pero sabíamos que llegaría. Esto no explica ni justifica ese montón de lana, cuerpo de un tiempo que vuelve a venir, no explica la desesperación por las lecturas ni el insomnio, no explica la compulsión pero tiene que ver.
Hay una pregunta por el arte como cuestión vital, como relación encarnada-encarnizada con el mundo, por el trabajo como trabajo de parto. Hay algo vivo que tiene una lógica propia, un movimiento que no obedece la ley de la causa y el efecto. Esa criatura que habla o calla por sí misma, esa contundencia de estar ahí, no pertenece a nadie. Sus efectos son inapreciables y sus orígenes aún por venir.
No se justifica, no se explica, no tiene sentido, empuja, sale, pasa entre las manos, toma cuerpo y crece, nos habita e incorpora. Un no saber, una apertura, una turbulencia.
Estas cosas no hablan, se presentan, irrumpen, nos desbordan. Nosotras tratamos de contenerlas, de encauzar las fuerzas que las animan, pero, lejos de lograrlo, fuimos empujadas por su corriente, envueltas en su pesado silencio.
Estas cosas mudas, mudas del tiempo, tiempo de restos hechos madeja donde los nudos y los enredos se multiplican, donde todos los hilos están mezclados con pedacitos de pedacitos.
Ningún hilo que seguir.
+ Acerca de Eugenia Puccio:
(Córdoba, Argentina, 1973)
Estudió filosofía en la Universidad Nacional de Córdoba.
Se aleja del ámbito académico para experimentar el funcionamiento de la filosofía en otros campos tales como el diseño de modas, la locura, la gestión cultural. En los últimos años trabaja el cruce entre filosofía y arte.
Asiste al taller “Escuela de la mirada” dictado por el Lic. Marcelo Nusenovich. Participa de la clínica “Problemas radicales, estilos irreverentes” dictadao por Christian Ferrer. Realiza workshops intensivos de danza butoh con el maestro Katsura Kan. Actualmente asiste al taller “Cuerpo en Performance” dirigido por Marcelo Comandú.
Realiza muestras en su casa, acompañada por la galería Espacio Centro y en su taller junto a Mariana Alasino. Participa de intervenciones urbanas. En el año 2010 expone en El Gran Vidrio junto a los artistas Lautaro Bianchi y Mariano Cuestas.
El bordado, la ropa usada, los elementos menores junto a la filosofía y el análisis personal constituyen la matriz, siempre cambiante, de sus instalaciones e intervenciones.
+ Acerca de Mariana Alasino:
(Córdoba, Argentina, 1971)
Estudió plástica en la Universidad Nacional de Córdoba.
Realizó teatro espontáneo en “El Pasaje”. Trabajó en cartelería, gráfica y gestión cultural.
En los últimos años participó en diversos colectivos artísticos, en acciones en vivo junto a otros artistas, músicos y bailarines y formó parte, entre otras, de las siguientes exposiciones:
“Una mirada a Córdoba” (Museo Castagnino Macro, Rosario), “Fue Súper +” (Centro de Arte Contemporáneo, Córdoba), “Festival Cultura para todos” (Pabellón Argentina, U.N.C.)
Realizó intervenciones-instalaciones en el taller de “La Casita”, la Fundación Favaloro, “De la piel al alma” Producción del espacio y gestión cultural” y en el Centro Cultural Buen Pastor.
Actualmente intenta generar el espacio para construir exposiciones, razonamientos, explicaciones, descripciones; y buscar crear un código que permita comunicarse disolviendo las jerarquías convencionales, en el intento que la producción artística sea una práctica social, accesible y generativa.
Nota:
Dentro del período de exposición se llevarán a cabo algunas acciones:
— Jueves 06 de Octubre 19 hs: Música Fran Saglietti
— Jueves 13 de Octubre 19 hs: Danza Ritual de Walter Rodríguez. Pintura en vivo Mariana Alasino
— Viernes 21 de Octubre 19 hs: Música Rufo Cruz Super Mas.
— Viernes 28 de Octubre 19 hs: Performance de Valeria Facchini y Cecilia Antonozzi
— Lecturas de Gabriela Castro, fecha a confirmar.
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MICROESPACIO PLATAFORMA
SOFÍA ABT – EL BOSQUE
El Bosque
¿Dónde esta el misterio de las cosas?
¿Dónde está que no aparece
Por lo menos para mostrarnos que es misterio?
¿Qué sabe el río de eso y qué sabe el árbol?
¿Y yo, que no soy más que ellos, sé algo de eso?
Fernando Pessoa
El bosque no es el bosque, sino que más bien aspira al aura de aquel bosque. En palabras de Walter Benjamin es la manifestación irrepetible de una lejanía (por más cercana que pueda estar).
En la obra de Sofía Abt la idea de lejanía es mensurable, son los más de tres mil kilómetros que separan a Córdoba de Ushuaia. De allí la atmósfera, la experiencia sensorial del paisaje y de la naturaleza que nos mira.
La autora asegura que hacia el sur lo bello natural parece aún mas inasible y cruel con los ojos humanos, por eso debió usar los ojos de las lentes para no lastimarse mientras intentaba sujetarlo. Nos muestra la naturaleza objetivada, resumiendo una extensión en la superficie de sus imágenes.
Una vez en la ciudad, como quien diseca para conservar, insiste sobre la apariencia de lo que ya está ausente, dibuja con el gesto de quién rehúsa mirar lo efímero, nombra y cataloga, vuelve dato lo imposible. El mapa no es el territorio, la imagen nunca será el paisaje. Es esto lo que aquí inquieta.
Estos árboles nos dicen que su secreto es la melancolía.
El misterio del bosque es estar lejos y siempre afuera.
Ianina Ipohorski (Córdoba – Argentina)
+ Acerca de Sofía ABT:
(Córdoba, Argentina, 1984)
En el año 2007 finaliza sus estudios en la Escuela Provincial de Artes Visuales Dr. José Figueroa Alcorta. Posteriormente asistió a diversos seminarios, entre ellos: Seminario “Otros Documentos” (2007) y “Trampas de la Estética” (2009) dictados por José Pizarro.
Concurrió en calidad de asistente al workshop “Por una poética curatorial incidental: entre el análisis de coyuntura y los procedimientos de construcción de escena” (2008), dictado por Justo Pastor Mellado.
Participó de diversas muestras colectivas y realizó una muestra individual de fotografía en junio del 2008 en el Centro Cultural Casona Municipal de Córdoba. Formó parte del equipo de producción de la Fotogalería Municipal Espacio Blanco -Casona Municipal.
En el año 2010 fue seleccionada para el taller de lectura analítica sobre la obra de Helio Oiticica dictado por Lisette Lagnado en el marco de Afuera! (muestra internacional de arte contemporáneo), organizado por el Centro Cultural España-Córdoba.
Actualmente es docente en La Metro – Escuela Audiovisual y Coordina el taller de Fotografía Digital en Centro de Diseño Kandinsky.
Vive y trabaja en Córdoba.
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INTERVENCIÓN
ZOE DI RIENZO
«ZOE DI RIENZO – NI QUÉ TANTO»
Ni qué tanto es un proyecto que pretende reflexionar sobre las problemáticas que atraviezan actualmente los artistas y las instituciones artísticas en la ciudad de Córdoba.
Ni qué tanto permite pensar críticamente, a través de la puesta en valor de los marcos de las obras históricas del museo. Si el marco que actualmente esta con purpurina es el contexto de esa obra de siglo XIX (con sus problemas). Cuales serían los conflictos por los que estamos atravesando hoy en dia para producir y exhibir arte en la ciudad de Córdoba?
Ni qué tanto es una acción de la artista Zoe Di Rienzo, basada en el trabajo sobre los marcos de la colección permanente del Museo Genaro Pérez.
La obra consiste en la instalación de un taller en la sala principal del museo en donde se reacondicionarán y se pondrán en valor algunos marcos de las distintas obras pictóricas que integran la colección.
Durante cuatro dias los marcos de estas obras históricas, serán dorados nuevamente a través de la técnica del dorar a la hoja. Aquellos marcos en la actualidad se encuentran pintados con purpurina.
En este taller el público es bienvenido, siendo posible el ingreso a la sala, la observación del proceso y dialogar con la artista.
En la sala contigua (sala Oval) se colocarán en caballetes las obras desnudas (desprovistas de su marco) las cuales estarán en espera del trabajo finalizado para volver a ser adjuntadas a sus marcos orginales.
+ Acerca de Zoe Di Rienzo:
(Córdoba, 1974)
Se gradúa de Licenciada en Pintura de la Universidad Nacional de Córdoba. Estudia paralelamente teatro con Guillermo Wright. Asiste al taller de Carlos Peiteado.
En Buenos Aires entre 2004 y 2006 se entrena en actuación con Julio Chávez. En 2006 recibe una beca para asistir a una clínica de artes visuales en el Centro Cultural Rojas. Actualmente es becaria de CROMOS en Clinica de Obra a cargo de Tulio de Sagastizabal.
En 1998 organiza Mundo Mix I, II y III, junto a Simbad Seguí, Paula La Serna y Marcelo Nusenovich, eventos de música electrónica y arte contemporáneo que se realizan en el Chateau Carreras.
Desde 1999 ejecuta varias performances, en espacios públicos y privados, En 2002 se instala en Buenos Aires. Realizando numerosas acciones. Participo de Estudio Abierto “El Abasto” Buenos Aires. LaII Bienal de Arte Emergente en el Centro Cultural España Córdoba y en el I Encuentro Internacional de Performance de la Ciudad de Córdoba. Presentó trabajos en el Centro Cultural Recoleta, en el Centro Cultural España Buenos Aires, Invitada por Juan Carlos Romero en FM la Tribu. Presenta Misión tortuga laúd en el Festival de la Tierra realizado en Maracaibo, Venezuela. Para el 2007 realiza Desde el Alma junto a Gabril Baggio y Carolina Katz. En 2009, interviene con el audio Crónicas de um viagem au Brasil en la 7° Bienal del Mercosur Grito e escuta, en el contexto de la radio-visual del espacio Portuñol curado por Ivana Vollaro.
Actualmente dicta seminarios y cursos en relación a la performance.
Vive y trabaja en Buenos Aires.
Ni qué tanto es una acción a realizarse en la sala principal de la planta baja del Museo de Bellas Artes Dr. Genaro Pérez los días 6, 7, 8 y 9 de Octubre de 2011.
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OTRAS LECTURAS ::: MIRANDO LA COLECCIÓN
El proyecto Otras Lecturas está destinado al trabajo sobre la colección permanente del Museo con el fin de desarrollar un proceso de resignificación sobre el patrimonio de la colección.
Partiendo de la producción de pequeñas muestras rotativas, cuyo guión curatorial estará basado en las temáticas o disciplinas artísticas, podrá realizarse una lectura diferente de la historia del arte de Córdoba.
Otras Lecturas será abordado desde el conocimiento, la investigación y la documentación de la colección. Permitirá además de un importante trabajo pedagógico como oferta de servicio hacia la sociedad así como la detección de los baches estilísticos o de autoría que la colección presenta, para completarlos o documentarlos hacia futuro.
ARTE ARGENTINO del SIGLO XX
Primera Vanguardia 1910 – 1940
Una mirada sobre los primeros grandes movimientos pictóricos en la Argentina, con características propias de una pintura latinoamericana, que nacieron bajo la influencia de las escuelas de Paris y se gestaron en el contexto de nuestras primeras manifestaciones de libertad política. Así, entre 1910 y 1940 se desarrolló la denominada Primera Vanguardia del Arte Argentino, destacándose primero los Grupos: Florida, Boedo y La Boca; y los movimientos pictóricos: grupo Orión, pintura sensible, pintores ingenuos y los neorrealistas a partir de la década del 30.
La propuesta es un recorrido didáctico de este período de la historia de nuestra pintura con obras de: Lino Eneas Spilimbergo, Raúl Soldi, Luis Barragán, Juan Carlos Castagnino, Leopoldo Presas, Raúl Russo, Enrique Policastro, pertenecientes a la Colección del Museo de Bellas Artes Dr. Genaro Pérez. Se exhiben obras de la colección del Museo Genaro Pérez de los citados artistas.
ÁCIDO II
Critica política y social en el grabado
Antonio Seguí
Grabado
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Inauguración: Jueves 6 de Octubre — 19:30 hs.
Cierre de Muestra: Lunes 21 de Noviembre
Lugar: Museo Genaro Pérez (Av. General Paz 33)
Entrada Libre y Gratuita
