OBRAS PARADIGMATICAS DE LAS ARTES TECNOLOGICAS
Espacio Fundación Telefónica inaugura pasado/presente, una selección de obras pertenecientes a la colección Nuevos Medios del Centro Pompidou-Paris, Francia. La muestra expondrá obras paradigmáticas de las artes tecnológicas, con el objetivo de trazar un panorama de la utilización de los nuevos medios en las distintas décadas.
Del 2 de julio al 15 de septiembre, se exhibirán instalaciones de Nam June Paik, Bruce Nauman, Zineb Sedira, Chris Marker, Mik Aernout, Tony Oursler, Vito Acconci, y Thierry Kuntzel. La selección de las obras estuvo a cargo de Christine Van Assche, curadora principal del departamento de Nuevos Medios del Centro Pompidou.
pasado/ presente es el resultado de un proyecto institucional que el Centro Pompidou desarrolló junto al Espacio Fundación Telefónica. Es la primera vez que una colección de esta prestigiosa institución francesa se exhibe en Argentina.
La Colección Nuevos Medios del Centro Pompidou es una de las más importantes del mundo, tanto por la cantidad de obras que reúne como por su alcance artístico. Es testimonio de medio siglo de historia de la imagen y el sonido, y refleja los grandes movimientos del arte contemporáneo, desde las performances hasta la expresión corporal, pasando por el arte minimalista, el arte conceptual, el postconceptual y el postcolonial.�
La colección cuenta con obras que datan desde 1960 hasta la actualidad, reuniendo un total de 1.700 obras que incluyen 110 instalaciones multimedia, 1700 videos, cintas de audio, CD-ROM y sitios Web, en su mayoría creados por artistas visuales y de otras disciplinas artísticas.
Charla Abierta:
El 2 de julio a las 18:30, Christine Van Assche brindará una charla abierta, organizada en conjunto con la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), sobre la Colección Nuevos Medios del Centro Pompidou.
Inauguración: 1 Julio // 19:00 hs.
Fechas de la muestra: 2 Julio al 15 Septiembre // 14:00 a 20:30 hs.
Lugar: Espacio Fundacíon Telefónica (Arenales 1540 – Buenos Aires)
Entrada gratuita
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Bio – Expositores:
NAM JUNE PAIK
Nace en Seúl (Corea del Sur), en 1932. Fallece en Miami (Estados Unidos) en 2006. Tras cursar estudios de música en Seúl, se traslada a Japón en 1950, donde redacta una tesis sobre Schönberg. En 1956, parte a Alemania Federal e ingresa al Laboratorio de Investigación de Música Electrónica de Radio Colonia, desarrollando desde un primer momento un agudo sentido del escándalo público e introduciéndose en la experiencia Fluxus. Bajo su influencia, se inicia en el terreno del performance y la música experimental, realizando una serie de anti-films desprovistos de imágenes.
La popularidad le llega a través de su participación en performances eróticas y extravagantes, de corte neodadá e influencia Zen, junto al artista y compositor John Cage.
En 1970, y tras cuatro años de trabajo con Shuya Abe, logra acumular sus experiencias pasadas en una única consola, siendo su programa Good Morning Mr. Orwell (1984) el primero en ser retransmitido simultáneamente en Corea, Estados Unidos y Europa; además de Bye Bye Kipling (1986), and Wrap Around the the World (1988).
En toda su producción se revela una actitud irónica e irreverente que plasma en la pantalla de televisión, entendiendo a éste como un medio específico y un objeto que posee cualidades en sí mismo. Busca integrar las nuevas tecnologías en la naturaleza, con la creación de paisajes electrónicos: TV Buddha (1974), TV Garden (1974-78), Fish Flies on Sky (1975), Family of Robot (1986) y Megatron (1995).
Si ya en los sesenta comienza a experimentar con el láser, es en sus últimas producciones y en colaboración con el técnico Norman Ballard, crea nuevos espacios con luz y movimiento propios de manera hipnótica.
La mayor retrospectiva sobre su obra se titula Worlds of Nam June Paik, y se presentó en el museo de Guggenheim, de Nueva York (2000). Desde entonces, itinera por Bilbao (España) y Seoul (Corea del Sur).
BRUCE NAUMAN
Nace en Fort Wayne, California (Estados Unidos), en 1941. Vive y trabaja en Nuevo México (Estados Unidos).
Comienza a estudiar matemáticas, física y arte en la Universidad de Wisconsin, en 1961. Su obra se desarrolla sin privilegiar un estilo en particular; juega con el arte conceptual y con el body art, tras haber atravesado una fase de funk art.
A lo largo de su carrera ha realizado esculturas, performances, obra gráfica y videos. Su trabajo versa sobre la reflexión del comportamiento del cuerpo, siendo el arte el proceso de una experiencia vívida en el presente, tanto por el artista o el espectador.
Desde 1966, emplea con regularidad el neón, como contrapunto lingüístico a las piezas escultóricas. Y entre 1968 y 1971, crea ambientes proyectando sobre una pantalla la imagen de los espectadores.
Su trabajo ha sido expuesto en múltiples exposiciones colectivas y entre sus individuales se destacan: Whitechapel Art Gallery de Londres (1987), Museum of Contemporary Art de Los Angeles (MOCA) (1995), Museum Ludwig de Colonia (2003), entre otras.
ZINEB SEDIRA
Nace en París (Francia), en 1962. Vive y trabaja en Londres (Inglaterra).
En 1986, se traslada a Londres (Inglaterra). Se forma primero en la Central Saint Martin School of Art (1992-95), a continuación en la Slade School of Art, 1995-97 y finalmente en el Royal College of Art, 1998-2003.
De padres argelinos, es capital la influencia que sus orígenes tuvieron en su obra, la cual aborda la difícil convivencia entre culturas, tradiciones y formas de pensar. Mediante un lenguaje imbuido de documentalismo y sobre todo de carga poética explora entre otras cuestiones la importancia que tienen las mujeres en las culturas norteafricanas como garantes de la historia oral de las familias, amén de transmisoras de una identidad cultural.
CHRIS MARKER
Nace en en Neuilly-sur-Seine (Francia). Vive y trabaja en Paris (Francia).
Artista de culto, es el más importante de los cineastas surgidos a partir de los años 50: se le atribuye la patente del cine-ensayo o ensayo fílmico.
En 1960, década atravesada por el corporativismo y las transformaciones del cine, Marker participa en varios proyectos colectivos, entre ellos, Loin de Vietnam; y junto a Godard y Resnais, realizan la creación y distribución de “cine-tracks”, piezas mudas realizadas para llamar a la acción obrera.
Con Le Fond de l’air est rouge (1977), Marker emprende el viaje al desencanto por la utopía fracasada: la obra de este ex-alumno de Jean Paul Sartre nunca pierde del todo su afiliación humanista con el comunismo, si bien se filtra la desilusión y la autocrítica a medida que el sueño se desvanece. En su filme en dos capítulos El último bolchevique (1993), una reflexión-retrato en forma de cartas póstumas dirigidas al cineasta ruso Alexander Medevkin, dibuja una constelación del cine soviético desde sus orígenes hasta la perestroika.
MIK AERNOUT
Nace en 1962, en Groningen (Holanda). Vive y trabaja en Ámsterdam (Holanda).
Escultor de formación, actualmente produce instalaciones que incorporan elementos tridimensionales, objetos, personajes reales y proyecciones.
Los ambientes creados por Aernout pretenden invitar al espectador a formar parte de la obra y a participar en una atmósfera deliberadamente indefinida, como si se hallara en la frontera entre el sueño y la vigilia. De igual modo que los niños buscan una sensación de vértigo girando sin parar alrededor de sí mismos, el artista perturba la conciencia del visitante y lo convierte en el protagonista de un absoluto extrañamiento, que pasa a través de varios sentidos a la vez: a las sensaciones visuales se suman las sensaciones táctiles, como un suelo blando o una pared velluda.
En 1997, Aernout participó de la Bienal de Venecia. Tres años después, el Stedelijk Van Abben Museum de Eindhoven le dedicó una importante exposición.
TONY OURSLER
Nace en 1957, en Nueva York (Estados Unidos). Vive y trabaja en Nueva York (Estados Unidos).
Artista y performer norteamericano. Estudia en el California Institute of the Arts (CarlArts), donde es su tutor John Baldessari. Posteriormente amplia sus estudios en el Massachussets Collage of Art, Boston.
En 1981, el Museum of Modern Art (MOMA), de Nueva York, acoge su primera exposición individual «Video visions”, con la cual logra la admiración de la crítica neoyorquina.
En 1986, realiza una exposición individual en el Centro de Arte Contemporáneo Georges Pompidou, París, «Esferas de influencia». Durante los últimos años de la década de los ochenta y hasta 1992, realiza una serie de performances -algunas en colaboración con otros artistas como Mike Kelley o Constance de Jong- en Chicago, Los Ángeles y Nueva York.
Participa en importantes certámenes internacionales, entre ellos el Festival Mundial de Vídeo de La Haya (1989), «Documenta 9,» Kassel (Alemania, 1992), o la Bienal Minima Media, Leipzig (Alemania, 1994).
En la segunda participación en Dokumenta X, Kassel (Alemania, 1997), Oursler presenta una de sus más ambiciosas obras: The Poetic Project: 1977-1997. The Poetics era un grupo de estudiantes que a finales de los setenta tenían en común la curiosidad por la experimentación con las nuevas herramientas de expresión: performance, música vanguardista, danza, comedia e imagen. El grupo de artistas se transforma en conjunto musical y se separa definitivamente en 1983. Oursler y su amigo Kelley deciden editar el material. La obra se presenta en un espacio arquitectónico caprichoso compuesto por obras de arte autónomas, siete de las cuales eran fruto de la colaboración entre Ourler y Kelley.
VITO ACCONCI
Nace en 1940, en Nueva York (Estados Unidos). Vive y trabaja in Nueva York (Estados Unidos).
En 1962, obtiene el Bachelor of Arts (B.A.) en Literatura, en el Holy Cross College de Worcester, Massachusetts. En 1964, completa su MFA en la Universidad de Iowa, en Iowa City.
Acconci es una de las claves del arte de la segunda mitad del siglo XX y un pionero de la performance, el video, las instalaciones y la exploración del espacio arquitectónico. Su obra traspasa las fronteras del arte, para llegar más allá de la galería o el museo, y alcanzar los espacios públicos.
En un principio, Acconci se dedica a la escritura y a la poesía. Comienza a producir arte conceptual a finales de los sesenta. En 1969, realiza sus primeras obras visuales, combinando fotografías con textos.
En Grasp (1969), reconoce las capacidades de archivo de la fotografía, ubicando en primer plano el acto de performance en si mismo, de tomar fotografías, de hacerse físicamente con una imagen. Este proyecto anuncia el dialogo entre la cámara y el cuerpo, convirtiéndose en un aspecto esencial de su trabajo en adelante, particularmente en las series de películas y videos de Súper-8, realizadas entre 1969 y 1974 en los que contempla obsesivamente su propio cuerpo.
Las performances, filmadas de manera privada, incluyen una intensa manipulación corporal, como en Conversions II: Insistence, Adaptation, Groundwork, Display (1971), la segunda de una trilogía de películas en las que se plantean interrogantes acerca de la rigidez de los géneros (masculino-femenino), el artista intenta feminizar su cuerpo de varón; en Open Book (1975), donde el cuerpo se convierte de nuevo en una performance intima.
THIERRY KUNTZEL
Nace en 1948, en Bergerac (Francia). Fallece en 2007 en París (Francia).
Estudia filosofía, lingüística y semiótica con Roland Barthes y Christian Metz en l’Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales, donde obtiene el doctorado.
Es jefe de la División de Investigación de la French Radio and Television Office (ORTF) y en el Instituto Nacional de la Comunicación Audiovisual.
Teórico cinematográfico y videasta francés. Sus escritos se distinguen entre las mayores contribuciones al análisis textual del cine e instalaciones.
En 1970, empieza a escribir regularmente para las publicaciones Camera Obscura y Film Quarterly Journal, explorando la fortaleza subliminal de películas como The Most Dangerous Game (1932) y King Kong (1933).
A finales de 1970, Kuntzel comienza a trabajar en la producción de video. De representación minimalista, aunque de contenido conceptual muy sugerente, sus obras de video como Nostos I (1979), Time Smoking a Picture (1980) y Le peintre Cubiste (1981) revelan la esencia de la percepción de la realidad y la representación, la memoria y el inconsciente, relacionándose con los códigos del cine, la fotografía y la pintura.
En 1995, realiza la obra Venises, producida por Le Fresnoy y por la Bienal de Venecia donde fue exhibida. En 1995, Fondation Cartier pour l’Art Contemporain produce la obra Nostos III, completando la trilogía de Nostos.
En 1997, la galería René Blouin (Montreal) presenta la obra más notable de este artista.
