RETRATOS DE LA IDENTIDAD Y PLÁSTICA EXPERIMENTAL
Este Jueves 18 de Agosto, a las 19:30 hs, el Museo Municipal de Bellas Artes Dr. Genaro Pérez, ubicado sobre la única avenida original de la cuadrícula fundacional, renueva por tercera vez en el año sus paredes se tiñan de nuevos muestras, nuevos artistas, obras tan disímiles como eclécticas.
En esta ocasión exponen:
– GABRIEL ORGE – Pura Pinta | Curador: Gerardo Repetto
Fotografía
– CURADORES AL MUSEO – Desplegable: trayectorias del objeto al contexto | Curadores: Patricia Avila, Gabriel Gutnisky
– MARTA ROCA – Tsunami Determinado | Curador: Rubén Menas
Pintura, intervención de tejidos.
– LAS VENTANAS DEL GENARO – Imágenes Encontradas
Semilla Bucciarelli – Intervención, pintura
– MICROESPACIO PLATAFORMA – Gentil Cadáver Aullando Tristez de Alegría
Nicolás Machado – 10 pinturas y un poema de Augusto Orta Córdoba
– MUSICALIZACIÓN en VIVO: Panza de Buda (Bertol y Nehemías)
– VISUALIZACIÓN/PINTURA en VIVO: Semilla Bucciarelli
** MUESTRA INDIVIDUAL – GABRIEL ORGE
Pura Pinta
Curador: Gerardo Repetto
Un recorrido a través de distintas series fotográficas que toman como eje de investigación la construcción de identidad a través del retrato fotográfico. Distintas personas en distintos contextos y circunstancias exhiben ante la cámara su gesto y su apariencia, “la piel y el envoltorio” que contiene deseos e ilusiones, lo que somos y lo que deseamos ser.
La muestra reúne parte de la obra que Orge ha venido realizando en estos años en relación a la construcción de identidad, bajo la curaduría de Gerardo Repetto. Se podrán ver las series Plaza, calle San Martín, serie Small, Montadas, etc. Todas estas obras han sido producidas en la ciudad de Córdoba.
PURA PINTA continúa su circulación en el mes de octubre por la Fotogalería del Centro Cultural Ricardo Rojas de la Universidad Nacional de Buenos Aires curada por Alberto Goldenstein y en el mes de diciembre por el Museo Municipal de Artes Plásticas Dámaso Arce de la ciudad de Olavarria curada por Alejandro Cides.
+ Acerca de Gabriel Orge
(Bell Ville, Córdoba, 1967)
Gabriel Orge trabaja como fotógrafo independiente y docente. Desde el año 2000 coordina el proyecto Manifiesto Alegría, taller de experimentación fotográfica.
Ha recibido distintas becas y premios, entre ellos la Beca de creación del Fondo Nacional de las Artes, premio adquisición Museo Rosa Galisteo ciudad de Santa Fe, premio adquisición Salón Ciudad de Córdoba, entre otros.
Obras suyas forman parte de la colección del Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Emilio Caraffa (Córdoba), Museo Rosa Galisteo (Santa Fe), Museo Municipal de Bellas Artes Dr. Genaro Pérez (Córdoba) y de particulares.Vive y fotografía en la ciudad de Córdoba.
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** CURADORES AL MUSEO
Desplegable: trayectorias del objeto al contexto
Curadores: Patricia Avila, Gabriel Gutnisky
Desde 1985 la cátedra de Introducción a la Plástica Experimental propuso una metodología de producción artística desanclada de los lenguajes tradicionales y enfocadas en los procesos de producción de sentido. Este espacio dio pie a la configuración de obras que enlazan discursos, técnicas, soportes, desplegando instancias diversas en la concepción de las obras que dan cuenta de las formas de configurar desde el arte a partir de fines del siglo pasado y que siguen vigentes hoy.
El sujeto de la muestra es ese espacio Plástica Experimental en el que han participado parte de los artistas locales a partir de fines de los 80 y que representa un modo de entender al arte en ese derivar entre el objeto y el concepto, los soportes, los autores.
Los curadores, Gabriel Gutnisky y Patricia Ávila son los generadores de Plástica Experimental en conjunto con los estudiantes.
Esta muestra es la reunión de obras que ponen de manifiesto un modo de producir a partir de trayectorias en la que objetos cotidianos fueron redefinidos y así resultaron capaces de desplazar lo funcional hacia otro mundo en juegos de asociaciones. Luego éstas hallaron escenario en el espacio real generando otra manera de entender y hacer circular a la obra fuera del taller, finalmente la experiencia en el espacio público se transformó en el pretexto para un trabajo con soporte audiovisual.
Con esta breve y fragmentaria muestra estamos compartiendo relatos sobre lo ocurrido al desencadenar procesos de construcción de sentido a través de experiencias precariamente relacionadas entre sí y que deambulan entre diferentes soportes, interrogándoles, con cierta desenfadada inocencia que recupera una mirada curiosa y lúdica. Un uso festivo de la libertad de jugar en/desde la “propia casa”.
Nuestro enfoque refiere a la construcción empírica del conocimiento y especialmente al desencadenamiento y la configuración de procesos de significación. Con ese objetivo se genera en el taller un espacio para que esa experiencia se despliegue a partir del desarrollo de prácticas que se van concatenando entre sí. Estas ponen de manifiesto la comunicación e intercambio entre todos los actores, la interacción a partir de proponer una gramática del juego en la dinámica del trabajo grupal, dónde lo individual es un momento que se funde y a la vez se ilumina en el grupo. Esta metodología considera a la enseñanza y al aprendizaje como un proceso continuo de reconstrucción de la experiencia y es esa experiencia la que tiende a la organización progresiva del contenido. Un aspecto que caracteriza a este espacio es el enlace de prácticas a través de estímulos que contienen la promesa de presentar a su vez nuevos problemas.
+ Acerca de Patricia Avila
Magister en Comunicación y Cultura Contemporánea. Licenciada en Pintura.Artista, investigadora.
Autora del libro “Y tú también te vas… Argentina y el dinero” Adriana Hidalgo Editora (2008).
Coordinó el Proyecto TXT y el libro “Textos de artistas y otros contextos” (2010). Es profesora de Introducción a la Plástica Experimental y de Pintura I y II en la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba.
+ Acerca de Gabriel F. Gutnisky
Artista Visual, Arquitecto, miembro de la Asociación Argentina de Críticos de Arte, Docente-investigador de la UNC- Autor del libro: Impecable Implacable.
Marcas de la contemporaneidad en el arte” 2007. Actualmente es Profesor en Introducción a la Plástica Experimental, Lenguaje Plástico Geométrico I y Pintura IV de la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba.
Primero, las cosas: OBJETOS RESEMANTIZADOS
El concepto de objeto es de por sí algo más o menos vago pero generalmente muy vinculado, en la vida cotidiana, con una función específica, con la idea de utilidad. También responde a determinadas características generales: es una realidad que nos sale al encuentro o que se “autopresenta”; que se reconoce en una primera mirada; que por sus propias cualidades se desea usar, poseer, guardar, coleccionar; que se puede pesar y medir; no es un material sino claramente una cosa construida, asociada a la idea de perennidad, de duración en el tiempo y –como dijimos al principio- básicamente con la idea de función.
Existen también una serie de datos de tipo contextual (con / textual), exteriores al objeto y siempre presentes (aunque a veces no lo parezca) en el propio texto objetual. Podríamos decir que los objetos quedan configurados por, o configuran ellos, un entorno. Tanto el texto como el contexto pueden ser modificados.
A partir de los Dadaístas, las galerías de arte están llenas de objetos descontextualizados respecto al depósito del carpintero, el albañil o el trapero, la ama de casa, pero muy bien re-contextualizados respecto, ahora, a la historia del arte contemporáneo.
En el taller nos propusimos explotar las energías latentes del objeto común y experimentar sobre la dinámica de la percepción y fundamentalmente sobre las dimensiones del sentido de las obras, que tiene origen en la crisis de legitimación manifestada en su momento por Marcel Duchamp (1887-1968). Cuando Duchamp en 1914 presenta su célebre botellero de metal, establece –entre otras consideraciones- una operación inédita (no reproduce sino presenta la realidad misma) que descansa en la elección del objeto en cuestión y en la omisión de cualquier tipo de control o manipulación estética del mismo. Con la apropiación de lo real y la relativización de los saberes disciplinares específicos, el artista adopta una actitud que podríamos considerar analítica, desplazando los procedimientos del plano inmediatamente expresivo a un plano reflexivo. Pero también hay que entender que, si bien este tipo de apropiación cambió el curso de la historia del arte, en la actualidad el denominado “neo-objetualismo” ya forma parte del “academicismo del anti-academicismo”.
La cosa común insertada en el mundo del arte no es “mera cosa” da a conocer otro asunto, tiene otra entidad, dice “algo otro”. Integra así una red de significados que los espectadores se encargarán de completar. En otras palabras, plantea de esta manera otra forma de narratividad. Porque el objeto aparece como derivado de la sociedad industrial, consumista y tecnológica y –a la vez- como parte de una “escenografía ordinaria”.
Cuando utilizamos un martillo para clavar un clavo, esa herramienta “desaparece” en su utilidad, es algo que usamos con un fin determinado. Pero insertado en el mundo del arte, ese martillo deja su uso y pasa a ser otra cosa, remite a vicisitudes humanas en el terreno de la comprensión y de la interpretación.
Ahora bien, el ready-made plantea problemas de otro tipo, podríamos decir que propiamente lingüísticos y –en sentido general- de orden lógico. Por otro lado vemos que si bien el objeto se auto-presenta, también tiene otra capacidad que consiste en alegorizar su anterioridad, por la sencilla razón de que todo objeto –en mayor o menor medida- es memoria de su pasado, recuerda su origen y función.
Estas “obras”, que presentamos solo como registros (imagen/idea) recuerdan el gesto inaugurado por Duchamp, pero difieren radicalmente en tanto que como objetos fueron forzados por una mediatización o manipulación a una transformación sin pérdida de identidad. Así se buscó producir una suerte de separación –de orden metalingüístico- entre el procedimiento de la transformación de los mencionados objetos (en apariencia banal o poco “artístico”) y la reflexión sobre este mismo procedimiento. Aquí la apropiación de lo real y su posterior transformación produjeron un desplazamiento de sentido y nuevas relaciones asociativas que –entre otros- podemos vincular con aspectos antropológicos y sociológicos. Este desplazamiento posibilitó instalar ciertas consideraciones muy presentes en el arte contemporáneo. Así, en las presentaciones de estos “objetos resemantizados” persistió una suerte de vinculación entre el enunciado verbal y el enunciado visual, que actuó en función de un estímulo a partir del juego de palabras establecido entre los nombres y los objetos, entre los nombres y las funciones, etc. La palabra, la imagen y la cosa, aunados en procesos retóricos.
En el tipo de trabajos presentados, hallaremos algunas claves permiten describir una línea de pensamiento vinculada al arte como proposición. Así, de manera muy general, no podemos dejar de mencionar que en las operaciones llevadas a cabo en
las “transformaciones” de los objetos elegidos, surgieron fenómenos relacionados con la sustitución, la oposición, la superposición, la negación, etc., pero no exclusivamente en el plano formal, sino especialmente en el de las funciones y las denominaciones. Señalamos esta característica porque introdujo una variable digna de análisis: la diferenciación entre el objeto real, su nombre y su imagen ¿Cómo se manifestó esa diferenciación?, principalmente en que la gran mayoría de los trabajos expuestos responden a lo que podríamos considerar “operaciones lingüísticas”, en donde –como ya mencionamos- se generaba una paradoja entre la designación y la resolución formal del objeto o entre la palabra y la cosa señalada, a partir de una premisa que tiene su origen en la naturaleza convencional del lenguaje y su articulación con el objeto.
En otras palabras, un procedimiento en donde la interpretación está conformada por signos verbales y signos visuales que manifiestan un desplazamiento del artista que opera en un nivel inmediatamente expresivo o sensible a un plano analítico (hay que vincular el juego de palabras y las funciones complementarias o aleatorias con el análisis de las características de los papeles higiénicos, las tazas, los libros, los zapatos…)
Segundo, el espacio : DEL OBJETO AL CONTEXTO
Cada objeto remite a contextos que fueron señalados y materializados en un nuevo objeto por cada participante, hubo así muchas tazas, muchas escaleras, muchas cajas, bicicletas. Bancos, por ejemplo, que aludieron a la institución bancaria a la vez que a latas en conserva con verduras al vinagre y otros bancos que remitieron a los procesos eleccionarios según lo entienden algunos ciudadanos.
Así vimos como cada cosa conjuga una constelación de sentidos que nombran lugares, acciones, percepciones que operan en el campo social y cultural, localizadas en espacios públicos o que están al borde de la relación público/privado. Del uno al grupo, del grupo a la interrelación con los otros, sean estos sujetos o contextos físicos, sociales, conceptuales. Este desplazamiento fue realizado y jugado durante los últimos años por gran cantidad de participantes de muchísimas maneras, que fueron desde el objeto mate a un recorrido por la ciudad levantando cartón en carrito tirado por caballos en plena hiperinflación; de una cortina de baño a intervenir la fachada de un edificio céntrico con globos rosas, contando con la anuencia de los frentistas que habilitaron sus departamentos a desconocidos en momentos de las marchas de Blumberg por la inseguridad y la desconfianza entre vecino; de un libro a sentarse en el inodoro en pleno centro, …de tantos y tal vez arbitrariamente elegimos un caso para graficar el trayecto.
Del papel higiénico….
Jessica Gómez, Micaela Cáceres, Mauricio Cerbellera, Patricia Halac y Paula Cocucci en el 2009 eligieron como objeto al rollo de papel higiénico. Cada uno propuso y realizó un objeto o varios. Luego analizaron que el concepto general que se desprendía de los mismos era el de “limpieza o higiene absurda”, a partir de esta idea produjeron el desplazamiento al espacio público:
(…) la idea de limpieza absurda se evidencia en los papeles higiénicos fabricados con materiales diversos como soga, pío nono con dulce de leche, masa de tallarines etc, en tanto a la desfuncionalización estructural de los rollos.
Por otro lado se marcó la idea de exageración de la limpieza al usar materiales como lijas, virulanas, trapos, etc.
Uno los rollos que se encontraba intervenido con grafittis típicos de baños públicos colgado de un alambre precario correspondiente a los de esos espacios, fue el disparador para nuestra elección de intervenir espacios públicos muy concurridos.
La intervención consistió en operar como un equipo de limpieza que recorría diversos espacios urbanos limpiando obsesivamente elementos cuya limpieza es innecesaria o absurda, que remite a la no funcionalidad de algunos rollos de papel higiénico resemantizados. A su vez las características del equipo, tanto por su presencia uniformada, como por la actitud obsesiva, hacen referencia a la exageración. Los espacios públicos seleccionados fueron Av. Colón y Cañada, Mercado Sur, el colectivo A3, el Paseo Sobremonte, entre otros.
“hemos perdido por completo la capacidad de pensar y hablar coherentemente sobre cualquier cosa”
El caso es que realizaron una performace en pleno centro con conciencia plena de los contenidos en juego. Dicha performance interfiere en el espacio urbano/público de una forma leve y paradojal. Derivando del objeto, la acción se articula con el lugar. El papel higiénico nombra directamente el cuerpo humano, su intimidad y la importancia que la cultura le otorga a la higiene para lainteracción. El ano, zona innombrada, es un centro y a la vez es periferia, como lo es el baño. Motivo oculto, recurrencia obsesiva, neurosis. La perfomance juega irónicamente (que otro recurso queda sino el humor) con lo imposible y coloca el cuerpo de los sujetos en el espacio real cargado a la vez de contenido simbólico, intentando lo imposible: borrar, limpiar, higienizar en lo público el polvo acumulado. La obra toca a los cuerpos humanos, sociales y urbanos. Juegan el ridículo y como referencia de la intervención solo quedan sus huellas: un video.
Tercero, el registro y después… : VIDEOS
En 1924 Francis Picabia y René Clair guionaron la película “Entreacto”, dirigida finalmente por Clair, con actuaciones de Picabia, Man Ray, Duchamp, Eric Satie y con música de este último. La película es desopilante coherentemente con el sesgo estético de sus autores (surrealismo), realmente vale la pena atender al cortejo fúnebre que se desplaza en loca carrera por las calles de París persiguiendo un ataúd desbocado. “Entreacto” reúne características que ya hemos naturalizado en la actualidad: una sincronía formal entre la imagen/tiempo y lo sonoro; y por otra parte el registro, documentación, de una acción que tiene significación en sí misma además de develar la posición y el protocolo de los cuerpos (una performance) y que es recreada en el soporte cinematográfico. Tal vez son estas dos variables: el registro y la apertura al tiempo y al sonido, las que posibilitan que el video sea un soporte y una herramienta de producción apropiada por los artistas plásticos devenidos ahora “artistas visuales”.
Los equipos de trabajo -a partir de los objetos acuerdan conceptos- elijen espacios, los intervienen o interfieren (los señalan), registran la acción y luego realizan una obra otra, separada del registro pero que “toma” datos de la experiencia anterior. Estas experiencias –conviene recordarlo- han tenido lugar dentro del fenómeno “ciudad” y su ramificada red de relaciones interhumanas, su flujo de señales, entre las reacciones de defensa ante las intrusiones que se perciben siempre amenazantes en este escenario de movilidad acelerada. En medio de la concentración urbana generan, disparan, otros sentidos y esos sentidos son los que orientan la formalización -esta vez- con soporte luz y desarrollo temporal. Entonces veremos al video y/o la fotografía como documentación y al video como forma autónoma de configuración de otros contenidos.
Volviendo al grupo que elegimos de caso testigo y que trabajó con el papel higiénico vemos como de ese objeto se desprenden el registro de las secuencias de la performance de limpieza obsesiva por las calles del centro de Córdoba y otro video posterior pero relacionado con la experiencia vivida en el extrañamiento de la acción, denominado “Disertaciones del Ethos y el Pathos un domingo por la tarde”. Este video, realizado en animación con plastilina y juguetes dentro de un baño, plantea un diálogo absolutamente irónico sobre el arte y la filosofía.
A lo largo del tiempo los modos de abordar la fotografía, los medios digitales (imagen y sonido) la reflexión conceptual, la noción misma de obra, han variado considerablemente, muchas de las producciones han sido y son efímeras, vinculadas estrechamente al momento del hacer, construidas en el aquí y ahora para espectadores del momento. Por eso la mayor parte de la producción de Plástica Experimental solo se mantiene en la memoria, no es museable ni cuantificable y es un signo de estos tiempos -tecnología mediante- que ahora pueda cristalizar en producciones que quedan registradas, pero siempre resulta que lo esencial de la experiencia se sustrae a toda re-presentación.
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** MUESTRA INDIVIDUAL – MARTA ROCA
Tsunami Determinado
Curador: Rubén Menas
“Trabajo con lo inverosímil…Como nostalgia del pasado… Es una propuesta de encuentro con lo natural… Vuelta a lo que se realiza con las manos dejando la tecnología…”
Palabras de Marta Roca que intentan definir o darle forma a lo que se expresa en un lenguaje otro, explosivo, de formas, colores, manchas, gestos, el de la pintura. Quien sabe si serán leídos a través de aquel prisma. Hay una idea de un mundo original, pretérito y caótico que pretende ser arrebatado por la mirada del que observa. Se ofrenda e intenta involucrarlo con el llamado de la selva. Del color y del deseo.
Rubén Menas | Mendiolaza, 2011
:: Se extendió sobre la Tierra como luz, no pertenecía al grupo pero era uno de nosotros.
Suave, silencioso y cauteloso dejaba su verdadera naturaleza, sin traicionar su literalidad.
Es en su forma inútil y degradada donde aflora su naturalidad.
Era melancólico, enfermo de nostalgia y sombra de lo tácito; era ausencia de lo carente, no era un después, era un antes que gobernaba la vida cotidiana de los hombres.
Es la presencia desencadenante sin original. Es silencio que expresa el bullicio.
Marta Roca
Sobre el tema de la obra
El hombre como extensión de la naturaleza. El hombre no como confrontación de la naturaleza sino como modificación de ella. El mundo es como es. No se modeló sobre el pensamiento. Porque éste lo limita. Trabajo sobre lo inverosímil, como distancia a la frontera interior, subjetiva de la ficción. Lo verosímil como intuición de lo ajeno, de lo otro, de lo que no se deja manejar.
Lo inverosímil como nostalgia del pasado, no como presente tácito. El pasado como aparición fantasmagórica, errática, nómada, sin morada ni más allá.
Lo inverosímil en contraposición a la ficción, que es metonimia del presente. Es una propuesta de encuentro con lo natural. Vuelta a lo que se realiza con las manos dejando la tecnología, no como victoriosa y triunfante sino envejecida y pasada.
+ Acerca de Marta Roca
(Córdoba)
En su juventud, estudió en la Escuela de Bellas Artes Provincial Figueroa Alcorta, y luego completó sus estudios en la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba donde obtuvo su título de Licenciada. Participó en numerosas exposiciones colectivas entre las que se cuentan la Exposición de Navidad del Cabildo Histórico de la ciudad de Córdoba del año 2003, en la muestra del año 2004 de la galería Francisco de Aguirre en Santiago del Estero, así como también en exposiciones colectivas en la Universidad Nacional de Córdoba. Asimismo, ha presentado muestras individuales en importantes centros culturales tales como el Cabildo Histórico y la Casona Municipal. Por otra parte, se ha desempeñado como profesora adscripta en la cátedra de Dibujo de 5to año de la carrera de Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Córdoba. Actualmente, continúa desempeñando la docencia en su propio atelier.
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** LAS VENTANAS DEL GENARO: Espacio de arrebatos creativos
Imágenes encontradas
Semilla Bucciarelli.
:: Es un curioso, con una infinita capacidad para crear personajes de lo más delirantes con mucho humor corrosivo pero, con mucha sensibilidad. Sus personajes locos, el humor a veces negro, el color y el dibujo son los protagonistas de la obra de Semilla.
Verónica Bario
Artista plástica /Prof. Superior en Bellas Artes
+ Acerca de Semilla Bucciarelli
(Villa María, Córdoba, Argentina, 1959)
Tanto la música como la pintura se van desarrollando paralelamente en su vida.
En 1980 comienza a trabajar con la música (Ricardo Soule \ Redonditos de Ricota). Esto le da tiempo para poder pintar y trabajar distintas técnicas, acrílico, óleo, aerógrafo, tintas, esculturas en papel maché y una técnica propia con volumen llamada acolchado.
En 1990 continúa su actividad pictórica en distintos soportes \ madera \ telas \ papeles de diario (que pega en las calles, bajo el nombre de Frente de Liberación del Imaginario), sobre la piel (tatuajes) y sobre una tableta digital experimenta improvisaciones con proyecciones en tiempo real.
En el 2000 realiza muestras por todo el país y graba música para un dvd multimedia que auna la música con la plástica.En el 2003 hace su primer muestra retrospectiva, allí presenta a través de 130 obras, 20 años de trabajo. La misma es Expuesta en Centro Cultural Borges en Capital Federal y luego recorre el país.
Actualmente vive y trabaja en Córdoba.
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** MICROESPACIO PLATAFORMA: Espacio destinado a los futuros consagrados
GENTIL CADÁVER AULLANDO TRISTEZ DE ALEGRÍA
10 pinturas de Nicolás Machado y un poema de Augusto Orta Córdoba
::::Los versos y las imágenes alternados combinan lecturas en el recorrido visual.
Hay presente un mensaje para el espectador: las imágenes y los escritos invaden nuestra vida cotidiana, a veces pasan desapercibidos, otros quedan para siempre en nuestro pensamiento esto ocurre sin que nos percatemos de ello.
La contaminación visual callejera es su más fiel exponente. De esta manera se interesa provocar en el espectador la utilización de un recurso / memoria visual que posee, pero trascendiendo la mera imagen publicitaria, llevándolo al plano del arte.
Nicolás Machado
::::La plasticidad de sus pinturas, nos deja entrever el uso e influencia de la tecnología en las artes visuales. Acudiendo a una solución que nos recuerda a las primeras experiencias impresionistas, en las que comenzaba a aparecer la descomposición del color a través del puntillismo, aquí recreado con un “pixelismo”, descomponiendo la imagen digital en un “puntillismo digital”, para luego retornar a la pintura.
En un tiempo donde la reproductibilidad de las imágenes acosa con seductoras propagandas en sus variados formatos, la imagen parece haberse devaluado. Este desencanto por la fácil clonación de discursos visuales a partir de la invasión de la tecnología en los procesos de producción de piezas de arte visual, motiva al artista a dar un giro hacia el oficio, hacia la reapropiación de la propia producción; cuestionando la enajenación, la alienación que produce la angustia del anonimato y los espejismos contemporáneos.
Aquí el artista marca una distancia entre este escenario y el del territorio real. Un ambiente selvático donde las reglas difieren a los cánones publicitarios. El aerosol, el marcador, el óleo, la birome se transforman en armas visuales que batallan con ancestrales opositores. Esta tensión se manifiesta con mínimos recursos de una imagen contundente, cargada de guiños estéticos y teóricos que permiten asirse de distintas interpretaciones, de extensa profundidad poética y conceptual.
Prof. Paulo Ahumada Rovai
+ Acerca de Nicolás Machado
(Córdoba, Argentina, 1979)A mediados de la década de los ´90 comienza su interés por la pintura, el cine, la literatura y por la cultura del rock.
En el 2003 recibe el título de Perito y Profesor en Artes Plásticas y en el 2007 recibe el de Técnico y Profesor Superior en Dibujo y Pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes Dr. José Figueroa Alcorta de Córdoba.
En agosto de 2006, realiza su primera muestra individual de pinturas y objetos en la Casona Municipal. Desde ese entonces participa de muestras colectivas, eventos culturales y realiza intervenciones públicas en distintos espacios de la ciudad.
Desde el año 2007 realiza exposiciones con el colectivo de artistas del DTO6 co-curando muestras, trabajando en el montaje, la gráfica y exponiendo sus obras.
En el 2008 participa de la muestra colectiva e itinerante “Escupido de la panza de la Bestia 2” y en 2009 de la muestra de video arte “Video Sur” ambas recorren New York, Boston y Providence (EE.UU.).
En el 2009 recibe el Segundo Premio Adquisición en Pintura otorgado por el Banco de la Provincia de Córdoba.
En el 2010 colabora con la ambientación y el montado de la escenografía del cortometraje Árbol.
Actualmente vive en Córdoba y produce pinturas, objetos y video arte.
Inauguración: Jueves 18 de Agosto — 19:30 hs.
Cierre de Muestra: 25 de Septiembre
Lugar: Museo Genaro Pérez (Av. Gral Paz 33)
Entrada Libre y Gratuita
