SASHA D. ESPACIO DE ARTE

“DESTERRITORIOS”

Este Miércoles 14 de Agosto, a las 19:30 hs. Sasha.D Espacio de Arte inaugura su nueva galería con la muestra “Desterritorios”, conformada por 3 muestras individuales de los reconocidos artistas: Eduardo Medici, Félix Eleazar Rodriguez y Lucas Jalowski, con curaduría de Marta Rivero. Simultáneamente, en una de las salas se presentará obras de los artistas con los que trabaja habitualmente.

“Desterritorios” Es desde la línea, que arma el dibujo, a los claroscuros de la carbonilla o el pincel en su tinta, que en los escenarios naturales o sociales como dispositivos azarosos y repetitivos esta muestra tropieza con la geografía de la escena y el paisaje en un territorio ya re-corrido, y desde estos dispositivos, la obra nos propone una migración mutada. Es la sensación, sea en la urbe industrial de la producción, en el cuerpo, la naturaleza, o los enlaces que entre ellos se producen, donde la obra de estos tres artistas nos hace próximos de una distancia para hacer contacto con lo lejano. Marta Rivero

En esta muestra Eduardo Medici nos presenta un recorte de su proceso con obras de diferentes momentos. Pintura y dibujo. Los títulos en sus obras abren libros dejando en claro el recorrido literario del artista y su goce puesto en el texto y la afinidad con la escritura. Utiliza el color para armar fondo y figura y separa estos dos planos en una intención de suspender la cita en medio de un paisaje que no aparece como foto instantánea, sino como un collage de fondo y figura, es un montaje. Dirige en una suerte de alienación cada escena que pinta, es un narrador de sus momentos personales, que son los de todos. Medici trabaja con el cuerpo, traza el deseo en sus cartografías. En cada escena a primera vista, sus colores pasteles atenúan la intensión, pero algo en su obra inmediatamente sofoca. En esta muestra presenta dos trabajos de la serie Boquitas Pintadas junto a otros, obras que pertenecen a los ochenta donde ya descargaba adelantado en sutiles pasteles temas de actualidad en la pose de los personajes y en el rojo carmín de las bocas. La serie actual de sus dibujos hechos en grafito sobre papel son la descarga de la inercia interior de esos cuerpos retorcidos e intrincados, los presenta mezclados, borrosos, movidos. Sin anclaje alguno, subordinando el ojo a la mano, pero a la vez citando desde el arte o la palabra con la certeza de que dirá sin saber que dirá. Medici re-establece una nueva geografía y arma un espacio atemporal donde convive con estos personajes imbricados y los pone entre paréntesis, y allí arma los re-pliegues de los afectos humanos. La obra Entremundos en una suerte de cita a que nada está por fuera del texto. Hay de antemano una atención puesta a una demanda invisible en su obra. Estos cuerpos actualizan este canal innombrable en el que Medici se mueve. Trabaja en esos bloques espacio/tiempo como medio y pulso como ritmo donde el tema lo toma a él, la pintura lo pinta. Para Deleuze seria estar en el Punto Gris, zona intermedia donde el decir pasa mudo, inadvertido y permanece latente. Medici se desaloja de su obra y a cambio encarnamos nosotros en esos personajes que nos trasfieren su ritmo y su medio.
Marta Rivero

La obra de Félix Eleazar Rodríguez es el paisaje, sea urbano, sea natural. En esta muestra nos presenta ambos escenarios, porque no es uno sin el otro, en ambos conviven lo estático y lo migratorio. Es un paisaje que actúa como pasaje, uno pasa a la obra de Félix sin opción, captado por el clima particular de su obra. Es una obra en fuga. Los claro oscuros de sus carbonillas generan movimiento perpetuo. La obra de Félix Eleazar es el migrar del pincel, tiene la contundencia desolada de la actualidad contemporánea más compleja. Es un pincel único y de pincelada corta en sus naturalezas, o la línea de la carbonilla en sus estructuras industriales. Es un compositor espacial, identifica que recorte de ese espacio nos quiere mostrar. Es diferencia y repetición a la vez. Su obra son todos los cuadros juntos, uno pide ver al otro y al otro. Por momentos son las vías del tren, o el fuego del museo en llamas, el agua que corre, el bosque autóctono en el que vive, es la ciudad que produce industrial y gris, nostalgia pasada de alguna época. La pincelada de Félix arrebata la quietud al punto de dejarnos estáticos. Como si en los opuestos del blanco negro estuviese el flujo incesante de este artista en el que el tema no es sin la materialidad ni el soporte, incluso es él mismo en un sitio, que puede ser cualquier sitio, pintando, enalteciendo la obra. Félix altera en ese movimiento aleatorio del pincel la unión de los dos opuestos en los que se maneja su pintura, blanco/negro, para dejarnos en manos de lo aleatorio y superar la tendencia de contemplar la realidad solo en el vínculo de esos dos colores. Sus obras son atmosferas lejanas.
Le pregunto por el color. Félix dice: -blanco y negro, el rojo solo como separador de espacios o planos, no como color-
Marta Rivero

Lucas Jalowski presenta cuatro trabajos en carbonilla para esta muestra. En todos sus trabajos habitan personajes dentro de un escenario puntual. Jalowski utiliza el soporte en partes, divide sus papeles o la tela, a veces en dos a veces cuatro partes. Juega con la discontinuidad en la línea de corte entre sus soportes y nos ofrece un salto, el que la carbonilla debe dar para seguir captando el clima en la obra. El soporte en partes arma y contiene una escena. Podrían ser sketches para cine, Jalowski hace recortes de momentos, de escenas cotidianas, momentos puntuales en el que dos o más personas se cruzan azarosamente o están vinculadas por un acontecimiento común, es el ojo del fotógrafo que capta esos momentos y su obra pese a poder compararse con la fotografía, se corre de ella. El tiempo en la obra de Lucas parece andar detrás de sus carbonillas, mientras él pinta o dibuja se puede sentir que la obra no aparece como fotografía estática compuesta de pixeles sino que trasunta el paso del tiempo, como si su obra fuese más allá de las escenas y en el mismo instante que pinta, comienzan a esfumarse. Jalowski no termina de definir los rasgos de sus personajes, ni los detalles de sus espacios, pero no hace falta, no los necesitamos porque lo que pinta es la geografía del tiempo y su drama. Nos lo presenta y nos cuestionamos nuevamente la veracidad del paso del tiempo y su existencia, está hablando del retorno, lo saca de las coordenadas habituales, lo retrasa, lo ralentiza, lo lleva lejos. Es una obra que viene de lejos y nos deja ingresar en el devenir. Uno tiene la sensación de escuchar a esos personajes que mudos algo tienen para decir, es lo mudo que suena, es el trazo sutil y sensual que se desvanece, no nos lo entrega por completo porque se le esfuma a él en el aire. Es el ahora como posibilidad para esos personajes que ya están lejos.
Marta Rivero

+ acerca de Eduardo Médici:
Nace en Buenos Aires, en 1949. Estudia dibujo y pintura con Anselmo Píccoli, y se recibe de Licenciado en Psicología.
Desde sus comienzos y, teniendo en cuenta su formación, sus pinturas formulan una perspectiva sobre la vida y la muerte, sobre las miserias humanas. Constituyen profundas reflexiones que derivan de la dirección de su mirada sobre el cuerpo humano.
En la serie «De saco y corbata», que realiza entre 1979 y 1980, desarrolla estas ideas a partir de una figuración esquemática. Pinta una serie de personajes que, prisioneros de su vestimenta, marcan una mirada crítica hacia las regimentaciones y los convencionalismos de la sociedad.
A principio de los 80 viaja a México y Guatemala, donde se siente atraído por el peso de las manifestaciones culturales antiguas que hicieron que la muerte tuviera un lugar importante entre las tradiciones populares vigentes.
Entre 1982 y 1983, su lenguaje plástico atraviesa un período de transición, derivando en formas más abstractas y alcanzando un alto nivel de gestualidad que refuerza a través del uso particular del color.
A posteriori, vuelve a recuperar su atención en el cuerpo humano en el plano de la representación. Al principio, a través de seres y cosas en estado de transición, de formación todavía inacabada, que presenta con una apariencia difusa entre números, letras y cruces; símbolos a los cuales luego sigue recurriendo. Luego, los cuerpos empiezan a aparecer desnudos, altos y delgados, en construcciones de fuerte base filosófica, que muestran al hombre como un ser atravesado por la posibilidad de la muerte.
«Yo dividido» fue realizada en 1990. Pertenece a este grupo de obras, aunque tiene una característica singular; en ella incorpora la palabra escrita en la representación, a través de la cita de un tango de Discépolo que se repite de manera constante.
A lo largo de esta década sigue enfatizando su interés en el tema del cuerpo mediante otras vías. Comienza a emplear otros materiales que combina con la pintura: radiografías, fotocopias, transferencias, negativos fotográficos, etc. De este modo, el drama humano que había subrayado en «Yo dividido», deja de ser el leit motiv de la obra y lo que pasa a jerarquizar el autor es la tensión entre recuerdo y olvido.
A lo largo de sus desarrollos, Eduardo Médici recibió las siguientes distinciones: Mención de honor «VIII Bienal de Maldonado», Primer Premio «Revista Cultura» (1987); Premio Jóvenes Artistas a la Trayectoria, otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte (1990); Mención del Jurado «Premio Siemens» (1992); Beca Miró (1993); Segundo Premio Sección Pintura del «Salón Manuel Belgrano» (1994); Primer Premio «Banco Mayorista del Plata» (1995); Premio Arlequín, otorgado por la Fundación Pettoruti (1997).
Entre las últimas exposiciones individuales se hallan: «Paraísos perdidos», Diana Lowenstein Fine Arts (Buenos Aires, 2000); María Schneider Gallery (Chicago, 2000); Museo de Arte Moderno (Mendoza, 2000); «Pintura-20años», Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, 1999); «Resumen 90-98», Centro Cultural Bernardino Rivadavia (Rosario, 1998); Museo Blanes (Montevideo, 1997); Sicardi-Sanders Gallery (Houston, 1997). Participó en exhibiciones colectivas realizadas en Buenos Aires, La Plata, Córdoba, Santa Fe, Bahía Blanca, Mendoza; Santiago de Chile, Valparaíso; La Paz; San Pablo, Río de Janeiro; La Habana; Caracas; Santa Fe de Bogotá, Cali; Cuenca, Quito; Guatemala; Guadalajara, Ciudad de México; Madrid; Miami, Chicago, Washington, Los Ángeles, Nueva York, San Francisco; Londres; Sicilia; París.
Sus obras figuran en colecciones oficiales y privadas de Buenos Aires, Santa Fe, Maldonado, Río de Janeiro, San Pablo y Skopje.

+ acerca de Félix Eleazar Rodríguez:
Nace el 15 de Junio de 1955 en la ciudad de Buenos Aires.
Estudios cursados:
1982: Arquitecto de la Universidad de Buenos Aires . 1986-88: Dibujo en el Taller de Roberto Páez
1994: Grabado en el CAMDEN INSTITUTE de Londres
2010: Participa de la expedición ”Paraná Ra´Angá” evento científico cultural del Bicentenario
2015/18: Crea y dirige el espacio de formación artística: Galpón de Artes Visuales, La Paz, Córdoba
Entre 1985 y la actualidad ha realizado más de 30 exposiciones individuales en el país y en el exterior.
Participa regularmente en Salones Nacionales, Municipales e Institucionales desde 1989 en las siguientes disciplinas: Dibujo, Pintura, Grabado y Monocopia.
Premios y otros reconocimientos:
2018: Participa en el Premio Trabucco
2015: Mención Honorífica Premio Nacional de Pintura BNA. 2014:Subsidio del Fondo Argentino de Desarrollo Cultural, para la publicacióin de su libro: Paisaje Continuo
2013: Participa del Programa Nacional de Adquisiones de Obras, Igualdad Cultura
2012: Mención Honorífica Premio Nacional de Pintura BNA.
2003: 2º Premio Iberoamericano de Pintura MNBA Aerolíneas Argentinas.
2003: Mención de Honor Premio Universidad de Palermo, MNBA
2001:Gran Premio de Honor Salón Nacional de Dibujo
2001: Mención Premio Iberoamericano de Pintura Aerolíneas Argentinas.
2000: Mención de Pintura Salón Municipal Gral. Belgrano
1997: Mención de Dibujo Salón Municipal Gral. Belgrano
1994: Mención de dibujo “Festival del color Benito Quinquela Martín”, Museo Sívori

+ acerca de Lucas Jalowski:
Nace en Córdoba, Argentina, en 1980. Es pintor, dibujante y arquitecto (UNC).
Se formó en los talleres de: Celia Pecini, Daniel Viale, Juan Canavesi, Eumelia Bravo, Jorge Torres y Dante Montich. Realizó Clínica de obra con Rafael Cippolini, Marcelo Nusenovich, Verónica Gómez, Eduardo Stupía, Ernesto Ballesteros, Andrés Labaké y Diana Aisenberg. Fue becario del Fondo Nacional de las Artes en tres oportunidades (2013, 2014 y 2018). Fue seleccionado para la Residencia Furiosa de Dibujo en Rosario (2017).
Principales muestras individuales: “Los bañistas”, Museo Caraffa (2018), “Proscenío”, Galería Esaa (2015), Galería Bluma (2013) y Alianza Francesa de Córdoba (1993)
Principales muestras colectivas: “La acuarela”, Macu, Unquillo, (2019); “El viaje” CFI, Buenos Aires, (2017); “11+1”, CAC, Córdoba ( 2016); “Transparent/ Opaque”, Bienal de Arte de Jerusalén, Israel (2015); “Tácito”, Museo Caraffa, Córdoba (2012); “ La escenificación del espacio humano”, Casa de Pepino, Córdoba (2012); “Panorama 2, Nuevos Artistas”, CAC, Córdoba (2003); “Diez jóvenes emergentes”, Galería Cerrito, Córdoba (2003).
Finalista en los siguientes salones: Concurso de Artes Visuales del Fondo Nacional de las Artes 2017; 106 Salón Nacional de Artes Visuales (2017); Premio de Pintura Banco Central (2016); Bienal de Rafaela (2015); Salón de Pintura Banco Nación (2012 y 2015); Premio Ciudad de Córdoba ( 2014); Bienal Federal CFI (2013) y Premio de Pintura Bancor (2011, 2012 y 2014).
Premios y distinciones: Primer Premio Salón de Pintura Félix Amador (2017); Mención Especial del Jurado, Bienal Federal CFI (2017); Segundo Premio, Bienal Federal CFI (2015); Mención del Jurado, Premio de Pintura Bancor (2015); Mención Especial del Jurado en el Premio Ciudad de Córdoba (2013); Mención Adquisición en el Premio de Pintura Banco Central (2012), Tercer Premio Salón Graduarte (2011); Primer premio Encuentro de pintores paisajista de Los Reartes (2009)

+ Información:
http://www.sashadavila.com

Inauguración: Miércoles 14 de Agosto  ::  19:30 hs.
Clausura: 2020
Horario: de Lunes a Domingo  ::  de 10 a 22 hs.
Lugar: Sasha D. Espacio de Arte (Casaffousth 1556)
Entrada Libre y Gratuita

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