Entrevista: CARLOS VIDAL AGUIRREBENGOA

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“UNA COSA NACE MIRANDO LA OTRA”

Por Gabriela Carrión

Conversamos con Carlos Vidal Aguirrebengoa sobre su búsqueda como artista plástico: en su génesis, el deslumbramiento al observar el procedimiento de una copia, el camino hacia la invención de los propios motivos y símbolos, de las técnicas y los materiales que le son afines, el descubrimiento de la línea, las sutiles variaciones de un motivo –sueños, imágenes- que como mojones señalan algo mayor, una continuidad, una obra. El poder de predecir del arte, de construir sentidos en comunidad, de la reciprocidad de la mirada.
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- ¿Cuál es la historia de tu formación como artista plástico? El inicio, aquellos motivos íntimos que despertaron tu expresión a través del dibujo y la pintura, tus maestros, las influencias que consideres primordiales…

Creo que todos inventamos un mundo o muchos, nos proyectamos, buscamos la coincidencia y armonía, es decir, la belleza. Creo que buscamos otras realidades, todo lo que existe alguien lo imaginó, lo soñó. Creo que tengo motivos comunes, como muchos que se dedican a las artes, no parto de algo feo ni oscuro. En cuanto a mi formación, mi hermana mayor copiaba dibujos, a mis 4, 5 años me entusiasmaba ver cómo lo hacía, hasta que empecé copiando e inventando símbolos, personajes y escenas.

En 1997 inicié mis estudios en la Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Diseño, finalizándolos 9 años y medio más tarde, demora debida a muchas otras actividades, como la música y exposiciones, las cuales iniciaron en el 2002 con una serie de 8 dibujos. A dicha muestra la realicé en un bar muy pequeño en el centro de la Docta, se vendió toda la serie y seguida a ésta, alguien que se convertiría en mi amigo y en una especie de mecenas, por encargo me puso a producir una serie de dibujos temáticos sobre Jean Arthur Rimbaud. Comenzaba todo… Ya son casi 40 las muestras que llevo realizadas.

En el 2007 decidí obtener otras técnicas más allá de las aprendidas en la Facultad e ingresé al atelier dictado en la Galería Marchiaro con Juan Manuel Jaimes Roy, un exitoso artista, según él, pintor más que artista plástico. Llegados los 2 años y medio acordamos que la técnica del óleo no era la más rápida para el tipo de obra que veía en mí. Paralelamente, me enteré de clínicas que dictaría Remo Bianchedi, creo que en él busqué el concepto, aclarar mi camino. Durante estas experiencias nunca dejé de producir y presentar mis muestras, las cuales iban de la pintura al dibujo y a las composiciones digitales. Con Remo, un artista muy activo por sus acciones de artes, sus numerosas conferencias y seguimientos de proyectos artísticos, vi otra cara del arte, fue una época de asistir a muchos simposios aparte de los dictados por él. Finalmente, después de no haberlo conseguido el año precedente, en el 2012 tome clases en los talleres libres de la Esc. Provincial Dr. Figueroa Alcorta con Juan Canavesi.

Creo que más allá de seguir con mis búsquedas conceptuales, volví a preocuparme por innovar mis técnicas, con Juan logré soltar y entender sobre la producción de una obra, siempre bromeando por mi profesión, acentuando indirectamente sobre ablandar mi modo estructurado de percibir y representar las cosas. Llegué a producir obras en menos tiempo, nunca más volví a pintar con óleo, fui más honesto conmigo mismo volviendo al dibujo, acompañándolo sólo con manchas y siempre con una apuesta en lo figurativo y lo geométrico, pero sensibilizados estos por las manchas.

Durante el cursado con Canavesi, tuve de compañero de banco a Pablo Bisio, colega y antiguo alumno de Dante Montich. Me sirvió mucho escuchar a Pablo sobre consejos y enseñanzas de Dante para la producción de la propia obra.

Creo que la formación, quizás es redundante decirlo, pero tiene que ver con la búsqueda, la cual, hoy por hoy, se remite a la preocupación por mi obra y en cómo me siento con ella.

- Me gustaría que nos adentráramos en una autoreflexión de tu obra. ¿Cómo definirías tu estilo? ¿Cuáles son las técnicas, los materiales y lenguajes que elegís al trabajar?

Recién después de 15 años de decir cosas con el arte, junto a la técnica y el soporte me siento cómodo, mi producción tiene mucho de pluralidad, gente del ambiente del arte dice que tengo una línea, yo nunca sentí que fuera del todo así hasta las últimas 3 series presentadas. Siempre me pareció que artistas con éxito trabajaban lo mismo, una misma temática con sutiles variaciones, viéndolo en el conjunto y en el tiempo de lo que puede producir un artista. Quisiera citar al fallecido arquitecto Enric Miralles, cuando le preguntaban sobre sus proyectos, él decía: es un solo proyecto que tiene continuidad, como si lo tuviera durante el tiempo y en distintos lugares.

Gran porcentaje de lo que hago es dibujo y más ahora que encontré un soporte despojado, sencillo y hasta crudo en su acabado, la madera, la cual evita alejar al observador de la obra con marcos y vidrios. Este soporte me permite dejar al observador y a la obra solos, como en una cita a ciegas, sin intermediarios.

- ¿Cuáles son tus búsquedas actuales a través de la creación? ¿Qué desafío representan?

Desde mediados del 2014, que es cuando encontré en la madera el soporte con el que me siento más cómodo, empezaron a aparecer de modo autorreferente símbolos: las grullas de papel gigantes, casi habitables, algunas geometrías, morfologías que nunca me abandonarán y personajes de hombres y mujeres trajeados con cabeza de elefante. Como bien decía Remo, somos creadores de signos y símbolos.

Pensar en desafío, no sé, muchas veces respecto de mis poesías, me han dicho algo así como: “así me siento”. Quizás busco eso, que las personas se encuentren consigo mismas, que vean coincidencias con mi obra, su reflejo, lo bueno y a veces lo malo (para mí la belleza es una mezcla entre coincidencia y armonía). Desde ya no busco cambiar el mundo, quizás sólo son sueños cortos, imágenes que me invaden y de este modo me convierten en un canal, un medio de transmitirlas. Todos tenemos muchas cosas para decir, lo que me mueve es la construcción de los paradigmas, de algunos más amables, los cuales podamos construir consensuadamente, uno o varios conocimientos, los que necesitemos para seguir…

- ¿Cómo ves el panorama actual de las artes visuales en Córdoba? ¿Crees que hay espacios que favorecen la formación y la visibilidad de artistas emergentes?

No con muchos cambios, respecto a la producción en general, pasa siempre como en cualquier tipo de rama del arte, con “movimientos”. Movimientos porque acontecen giros, de un estilo de moda se pasa a otro muy distinto, van y vuelven siempre de manera más compleja, a medida que pasa el tiempo se suman más combinaciones, más eclecticismo que hace propuestas cada vez más ricas o complejas. Por ejemplo, veo que galerías que sólo mantenían una línea dentro de lo figurativo o del realismo mágico deben abrir su espectro, quizás por razones de consumismo de arte, los coleccionistas se animan a otras alternativas.

Se suman propuestas de jóvenes artistas recibidos de la escuela de arte, inician sus proyectos como galeristas y se ve que no duran más de 3 años por no manejar, a mi entender, estrategias que se aprenden con la experiencia. En Córdoba el público no es fácil y más aún respecto al medio artístico, uno realiza una muestra y son pocos los colegas que acompañan, solo amigos o allegados, pareciese no haber mucho apoyo en todos los casos. Respecto a los espacios y como se brindan para artistas emergentes, creo que siempre ha estado algo dividido, desde gente seria, frontal, y lo opuesto, quienes están interesados en lo lucrativo únicamente.

Los concursos tampoco son simples, en las listas de preseleccionados se han visto, la mayoría de las veces, los mismos nombres. Quizás a nivel político tampoco hay un programa que dé lugar a todos, se cae un poco en el amiguismo nuevamente. Tampoco existe apoyo económico o programas que contemplen al crecimiento de los artistas en surgimiento. Las ferias de arte tienen altos costos, lo que excluye a muchos, y a las galerías que sí apoyan a los artistas nuevos, no les es fácil ganar su lugar en el medio.

- La arquitectura, la música, la poesía, la enseñanza y las artes visuales son parte de tu experiencia vital. ¿De qué modo se vinculan entre sí? ¿Cuáles son sus cruces e intersecciones?

Difícil pregunta, creo que me inicié con lo visual a los 5 años como conté anteriormente, luego fue la música a los 14, y la arquitectura trajo luego la formación como docente. Haciendo cosas tan distintas la única forma fue retroalimentar una con otra, por ejemplo: cada vez que hacía una muestra tocaba en su apertura con algún proyecto musical del momento. También a la hora de componer mis canciones, los textos y las melodías nunca surgieron de un mismo modo o con un sólo método.

En cuanto a la arquitectura, no es nuevo que los arquitectos tengamos afinidad con el arte visual y demás tipos de artes, pero, en mi caso, si bien hay cuestiones escenográficas espaciales en mi obra, siempre las he pensado separadas. De hecho, en mi camino trabajé mucho la figura humana, no siempre con geometrías que es lo más común en arquitectos que hacen arte, siempre traté de darle su lugar a cada cosa por respeto a ambas. Finalmente, en cuanto a la enseñanza, estoy en la Cátedra de Morfología 1A (Facultad de Arquitectura Urbanismo y Diseño, Universidad Nacional de Córdoba), quizás podría ser la más abstracta, el diseño en sí o propiamente dicho, sin racionalizarlo del todo. Es decir, en la asignatura que trabajo, no se plantean programas concretos, son emulaciones y a esto quería llegar: la “emulación”. Toda la enseñanza de la arquitectura tiene como punto de partida emular situaciones y esto quizás sea uno de los aspectos más importantes en común con el arte, adelantarse, previsualizar el futuro a corto, mediano o largo plazo, impactos, prefiguraciones. El arte siempre representó hechos, presentes, pasados y futuros, los artistas son quienes han registrado, a lo largo de los tiempos, el paso del hombre por esta vida. Han predicho mucho de lo que ha pasado con cada generación.

- Quisiera cerrar esta puerta visualmente, ¿compartirías con nosotros uno de tus trabajos?

Quisiera entonces concluir esta grata entrevista con mi último texto, o letra, como yo le digo, y una imagen de una de mis obras. Nunca podré ser uno solo ni abocarme a una sola cosa, una cosa nace mirando la otra…

Es bueno no poder controlarlo todo
que no tengamos las respuestas para todo
a veces dejar llevarnos
lo impredecible
los cambios
lo que no cambia está muerto
es perder el control de las cosas, al menos de algunas
ser vulnerables al menos por una vez
no podemos decidir todo
tomar la vida en paz y dejarla del mismo modo
y así con cada etapa en este viaje
es establecer los puntos de partida y de llegada
siempre con la intensión de cambio…
eso
tan solo nos hará bien
eso es soportar la ansiedad
aprender a convivir con lo inesperado…
diciembre 2016

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“En los rostros” – Mixta sobre fibrofacil – 66×60 cm – 2015

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