Entrevista: EUGENIA ALTAMIRA

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MAS ALLÁ DE LA SIMPLE APARIENCIA DE LAS COSAS

Por Bitácora de Vuelo

Este próximo Viernes 2 de Junio, en la galería que dirige María Belén Wonda, la cordobesa Eugenia Altamira presenta “Imágenes recitadas” su nueva serie de trabajos pictóricos. Obra de una cierta potencia e intensidad que se desarrolla a partir de figuras simbólicas como son el portal, la cama, el moisés, la nube, el olivo, las mariposas, el mar, los dameros y las piezas de ajedrez. Estos símbolos entran en juego en un espacio bien definido: “los cuartitos”, donde la artista y su cosmogonía desarrollan su creación.

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– ¿Cuándo comenzó tu acercamiento al arte y tu formación?

Mi acercamiento al arte es desde siempre, pienso.
En realidad no me acuerdo, pero si hago un esfuerzo, traigo a mi memoria la primera caja de pasteles que me regaló mi madre, habré tenido 8 años.
Dibujaba paisajes y retratos familiares muy espontáneos y con colores muy saturados.
A veces me impresionaban esos dibujos, porque no eran dibujos que los niños de mi edad hacian.
Eran diferentes, particulares, fuertes, se destacaban de los otros niños. A las únicas que les gustaban eran a mis maestras de plástica
Luego aprendí otras técnicas, el acrílico y el oleo con profesoras particulares.
Me fascinaba el olor de la pintura. Hasta el día de hoy me fascina.
Y llegó la adolescencia y la pintura quedó latente.
Una vez que empecé a estudiar Derecho (vengo de una familia de varias generaciones de abogados) tuve la suerte que mi compañero de estudio tuviese una biblioteca inmensa de libros de arte.
Las pausas que hacíamos las aprovechábamos para hojear esos libros.
Me acuerdo el primero que agarré fue de Duchamp no podia creer! Era tan distinto a lo que había visto!
Y así empezamos con este amigo con esta pasión por la Historia del Arte que nos acompaña hasta el día de hoy.

Pero la pintura seguía en stand by.

Pasaron los años, me fui a vivir a Paris en el 2000, donde conocí muchos artistas de diferentes áreas del arte (cine, música, teatro y artes plásticas).
Me hice muy amiga de uno de ellos, Ronald Meanti, quien me animó a retomar el dibujo y los pinceles.
Y empecé a tomar clases con él todos los años cuando bajaba a la Costa Azul donde vive, porque mientras tanto yo trabajaba como abogada en Paris.

Fui progresando mucho pero por etapas, hasta que volví a Córdoba y allí fué la explosión.
No me dí cuenta cuenta cuánto necesitaba volver a la fuente.
Podría haber retomado el estudio de mi padre y pero decidí dejar todo y dedicarme a lo que verdaderamente me gusta, pintar.
Avancé mucho a partir del momento en que tomé esa decisión.
Después vinieron otras decisiones: cuándo mostrar la obra a la gente, cuándo mostrar a colegas para tener sus opiniones, cuándo mostrar a galerías, etc.
Todo eso me ha ido permitiendo de progresar en el desarrollo del contenido plástico de mi obra. La gente, mis amigos me devuelven mucho con su mirada, les estoy muy agradecida.

–  Me gustaría saber cuál es el concepto de “arte” que tienes.

Sin entrar en temas filosóficos y para decirlo simplemente a mí me interesa cuando el misterio del arte se opera, es decir, cuando la obra de arte hace que el corazón del ser humano se dilate, que el corazón del ser humano palpite.
Victor Hugo lo llamaba la “UTILIDAD DE LO BELLO”.
Entonces para mí poco importa en qué corriente o época tal o cual artista se identifique o se enrole. Me interesa la emoción que la obra de arte produce, que se cierre el círculo para que la obra no sea estéril.

– ¿Es posible hablar de la belleza resignando la forma y la armonía?

El concepto de belleza ha evolucionado a través del tiempo y hasta el siglo XX fue un fin en si misma.
Ya el siglo XXI, con los Dadaistas se rechazó toda idea de belleza, y se buscó lo antiestético si se quiere ser un artista digno de ser considerado como tal.
Como lo exprese antes, me interesa lo que la obra produce en el espectador, en la persona que la contempla, que hace que esa persona pase de ver a mirar la obra.
Algo hace que ese objeto que miramos, escuchamos, tocamos o degustamos nos produzca placer, por eso yo tomo la expresión “Utilidad de lo bello” y no la belleza.
Desde mi punto de vista, y como artista, se puede buscar de hacer algo que no sea bello según los criterios de la época en que vivimos, pero es muy difícil resignar la forma y la armonía.
Cada forma, incluso cada decisión de color a utilizar o no utilizar, da peso y solidez a la obra y permite que respire en forma natural lo que como artistas queremos expresar.
Picasso cuando pintó el Guernica no quiso hacer una obra bella.
Sin embargo, si nos paramos frente a ella, es muy dificil quedar inmutables frente a la misma. No sólo frente al horror que describe sino a la belleza de la misma. ¿Y eso por qué?, por el equilibrio que logra, cada forma está en su lugar, hay armonia en el horror que describe.
Picasso fue un gran admirador de Paul Cezanne, lo consideró como un gran Maestro, como el “Padre” de todo el arte moderno. A Cezanne, le espantaba la confusión, la composición debía der clara.

– En tus obras hay figuras simbólicas que se repiten, así como lo que describes como “cuartitos”.

Mis temas favoritos se desarrollan en “los cuartitos”, donde el personaje principal es casi siempre una cama; a veces esa cama toma la forma de un moisés.
Vengo a una familia numerosa donde el solo espacio personal e íntimo es tu propia cama, en el dormitorio que compartís con varios hermanos.
Además, en la cama pasan muchas cosas de la vida de una persona, no? Y esa cama interactua con otros elementos que incorporo al cuadro: el portal, el olivo, la nube, las mariposas, los dameros, las piezas de ajedrez. Todos estos elementos simbolizan algo para mí y es genial cuando para el espectador pueden resignificar las escenas.

– Frente a un lienzo blanco, como comienza a gestarse una idea plástica?

Estos dos últimos años han sido de un gran trabajo de introspección, de búsqueda del contenido plástico en lo simbólico, en las palabras.
Me van a escuchar muchas veces decir que “la magia de las palabras” es algo que me seduce mucho. Tengo una gran admiración por los escritores. De hecho leo muchísimo.
Para ello he recurrido a la poesía, a algunos poemas que escribí y a otros escritos por excelentes poetas cordobeses, sobretodo por una escritora cordobesa Alfonsina Claria.

– Trasmitimos sentido a través del significado de las palabras. ¿Cómo crees que expresas mejor tu cosmogonía, a través de la pintura o la poesía?

Sin dudas a través de la pintura.
Me ha pasado con ciertas personas que observando mis obras han logrado acercarse a ese mundo tan íntimo, tan púdico, de una manera tan acertada que al principio me impresionó, me desestabilizó. Fue un intercambio muy fuerte.
A esos momentos le sucedieron otros de introspección, donde esos intercambios me permitieron progresar como persona y como artista.

– Estuviste mucho tiempo fuera del país. Qué opinas de las diversas expresiones del arte contemporáneas cordobés?

Hay excelentes artistas en Córdoba, de hecho estos últimos años he comprado mucha obra de distintos artistas cordobeses que aprecio muchísimo: Raúl Diaz, Antonio Segui, Luciana Bertoloni, Nancy Cabanillas, Pia Coppari, Ernesto Berra, Eduardo Quintana, Jorge Cabrera, Susana Lescano, Maria Gracia Loza, Juan Manuel Jaimes Roy, Valentina Cornaglia y Constanza Veteri.
Es más, creé un proyecto que se llama “Arte para llevar” con el que ayudo a mis amigos artistas de Córdoba a promocionar y vender sus obras acá y en Francia.

– Me podrías contar un poco mas de este proyecto de promoción y venta en Francia?

Empecé a interesarme más en el arte cordobés cuando volví a Córdoba, por fines del 2012, si bien ya en el 2005, había comprado obras de artistas cordobeses con los que además he creado una linda amistad.
Y bueno, soy cordobesa, tengo algo de rebelión en la sangre.
Me indigna y me rebela que con la calidad de artistas que hay acá, no puedan ser más los nombres que salen al mundo y ser reconocidos como tales.
Así que empecé llevando books y mostrando la obra de los artistas cordobeses a brookers de arte y coleccionistas franceses. Al principio me choqué contra las paredes. Claro, yo no soy “marchand”, esa es otra profesión, y no pretendo serlo, no es mi finalidad.
Pero no me dí por vencida, he creado este proyecto llamado “Arte para llevar”, para promocionar artistas. Y con el tiempo, dio fruto el esfuerzo.
A principios del 2016 vinieron franceses y compraron obras, fue la primera exportación.
Mi objetivo ahora es pasar más tiempo entre Francia y Córdoba y seguir desarrollando este proyecto para lograr una mayor presencia del arte cordobés en Europa. Ya lo tenemos a Antonio Seguí allá, “pour quoi pas” otros?

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Clausura: sin información
Lugar: María Wonda Gallery (Menéndez Pidal 4526 – Bº Urca)
Entrada Libre y Gratuita

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